30/09/2010 – 29/10/2010
(Guadalajara) Quince X Veintiuno
📍 Teatro-Auditorio Buero Vallejo - Jardines del Palacio del Infantado
A finales del siglo XV el arquitecto Juan Guas diseñó y dirigió las obras del Palacio del Infantado, convirtiéndose desde el momento de su finalización, y ya para siempre, en el referente arquitectónico de la ciudad: su seña de identidad. Quinientos años después, en los albores del siglo XXI, correspondió al equipo formado por Luis Rojo, Ángel Verdasco y Begoña Fernández-Shaw el reto de llevar a buen término el proyecto del Teatro-Auditorio Buero Vallejo.
El 20 de diciembre de 2002 se abría al público este espacio escénico para, en breve, convertirse en el icono de la Guadalajara moderna.
Pero además de esa impronta visual y conceptual en el entramado urbano y social de la ciudad, son protagonistas y receptores de otras manifestaciones artísticas, más allá de las exigidas por las funciones específicas para las que fueron concebidos: residencia suntuaria y escenario dramático.
Ahondando en estos dos preceptos, el de continentes simbólicos de alta significación y valor estético de corrientes artísticas innovadoras y el de contenedores de manifestaciones culturales, el Ayuntamiento ha querido organizar dentro de los eventos por el 550 aniversario del otorgamiento del título de ciudad una muestra de escultura actual.
Para tan especial ocasión, en colaboración con la Galería Raquel Ponce, hemos seleccionado un acreditado grupo de artistas que con sus obras nos acercarán a las propuestas contemporáneas de vanguardia y a los dos monumentos desde otras perspectivas; afirmando así ese carácter plural y aquella vocación de caja de resonancia para precursores lenguajes formales que, con toda seguridad, se convertirán en referentes del nuevo milenio.
Ricardo CALERO
Villanueva del Arzobispo, Jaén, 1955
Calero es un autor que trabaja con una concepción abierta del arte.
En función de los distintos proyectos, interviene como escultor, fotógrafo, grabador o dibujante; a través de estas especialidades reflexiona sobre el arte y la sociedad actual. Sus obras, acciones e intervenciones, se desarrollan en torno a dos conceptos claves que unifican su trabajo: natural exterior y natural interior.
En 1974 realiza sus primeras exposiciones con obras e instalaciones en un proceso de experimentación y formación.
En 1980 inicia sus acciones e intervenciones artísticas, que continuará a lo largo de toda su trayectoria, cargadas de simbolismo y reflexión en torno a lo social en el arte.
Rafael CANOGAR
Toledo, 1935
Es uno de los principales representantes del arte abstracto en España. Discípulo de Daniel Vázquez Díaz, en sus primeras obras encontró la manera de alcanzar las vanguardias y, muy pronto, estudiar profundamente la abstracción. El informalismo de su caligrafía directa y espontánea fue eminentemente una expresión de libertad, de lo irrepetible y único.
En 1957 funda con otros artistas – Saura, Millares, Feito y Serrano– y el crí-tico José Ayllón el grupo “El Paso”. La tercera dimensión dio finalmente solución a sus inquietudes a partir de 1963, volviendo progresivamente a la realidad de una figuración compleja, cada vez más narrativa.
En 1975 abandona ese realismo e inventa una nueva iconografía, recuperando la memoria –en un homenaje a las vanguardias históricas– a través de la máscara, de la cabeza, del rostro, como representación del hombre que pierde su individualidad y se convierte en signo plástico.
En 1982 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas
Max STREICHER
Alberta (Canadá), 1958
Streicher es un escultor generador de instalaciones que actualmente reside en Toronto; aquí, fue miembro fundador de un colectivo de artistas que dinamizó el calendario de exposiciones de esa ciudad entre 1991 y 1995.
Desde 1989 ha desarrollado un espectro efímero de esculturas figurativas de tamaño colosal que, confeccionadas con telas y tejidos sintéticos empleados para la vestimenta de seguridad de los trabajadores de la industria química, alcanzan su verdadera dimensión cuando son infladas y se convierten en estatuas inestables, cinéticas.
Su currículo se ha desarrollado principalmente en exposiciones individuales y colectivas organizadas por galerías y museos canadienses. Además, ha realizado varios proyectos e internacionales en lugares tan distantes como Taichung (Taiwán), Erfurt (Alemania), Venecia y Siena (Italia), o Praga (República Checa); ciudades donde sus caballos, hombres y bebés gigantes han seducido a todos por su sincera vitalidad.
Juan E. CORREA
Las Palmas de Gran Canaria, 1969
Tras estudiar arquitectura se decidió por el arte, pero sin renunciar a sus conocimientos técnicos de su licenciatura: a estudiar el espacio y llenarlo de vida.
La arquitectura aparece siempre como tema de su obra, y siempre desde un punto de vista de la fragilidad: se hace volátil, etérea, casi quebradiza.
Construir, aquí, es un proceso profundamente intuitivo. “Pulsometría” se define como un tejido de densidades fluctuantes que mantienen la condición de forma abierta, carente de límites. La pulsión la establece un filamento que atrapa los límites temporales de la experiencia, porque, en contraposición, el desarrollo metódico del tejido define un ritmo, un pulso que determina la instrucción del tiempo, de la experiencia.
Carlos A. CUENLLAS
León, 1969
Además de obtener la licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca cursó estudios superiores en la Escuela de Diseño de Nuremberg.
Hasta 2002, las composiciones de Álvarez Cuenllas se constituían por chapas modeladas y tubos de conductos de acero inoxidable y de PVC ensamblados.
Estos trabajos vibrantes y brillantes, de apurada pulcritud, se aproximaban por su elementalidad al diseño industrial o a las instalaciones de servicios de las modernas estructuras arquitectónicas.
Su lenguaje, acusadamente constructivo y tecnológico, conecta con la frialdad geométrica y con el serialismo postminimalistas.
Después, su trabajo tendrá una orientación multidisciplinar: escultura, pintura, diseño, arte público, etc., afirmando su condición de autor interesado en la categoría artística de la instalación –“La habitación de Ardal”, “Mar” y “Setal”– y en la realización de piezas aisladas específicas para intervenciones en espacios predeterminados.
Marcel MARTÍ
Alvear (Argentina), 1925
En 1928 regresa a Barcelona, ciudad en la que iniciará su formación artística a la sombra del pintor Pere Prat Ubach. En 1946 empieza a interesarse por la escultura y, dos años después, realizará su primera muestra en la barcelonesa Sala Caralt. La cogida de esta primera experiencia le impele a trasladarse a París, ciudad donde se relacionará con Ossip Zadkine, André Lhote y Paul Bornet.
En 1959 presenta en la Galería Syra de Barcelona sus primeras esculturas. A partir de ese momento trata de modificar su estilo, explorando formas más natura- Evelyn
Evelyn HELLENSCHMIDT
Eltville, Hessen (Alemania), 1962
En 1986 se traslada a España.
Aquí, en 1991, realiza su primera exposición en la galería sevillana: La Carbonería.
Si algo emana de sus creaciones es la sutil dicotomía entre Silencio
Acero soldado y galvanizado la liviandad, la ligereza y la depuración de formas, frente a la potencia inherente a los metales – hierro, cobre, bronce y latón patinados–, material con el que siempre trabaja por su flexibilidad y su fuerza. Todos estos atributos aproximan su obra a un mundo de evasión en el que colaboran signos ancestrales y simples, como la espiral, y unos “personajillos” – según los denomina su autora–, que son “un factor para definir la escala” y el “elemento necesario para los paisajes que creo, porque en ellos siempre debe estar mi relación con el ser humano”.
Evelyn es ajena a la obsesión de la innovación del leguaje estético, para optar por un camino de expresión personal, alejada de cualquier moda; rastreando en la simplificación de formas, en cierto minimalismo, pero evitando supuestos trasfondos metafísicos.
Hellenschmidt ha expuesto en múltiples capitales españolas, en ARCO y en países como Alemania, Eslovenia y Suecia. les y simbólicas. Se dedica casi exclusivamente al metal, con obras geométricas en las que predominan los ángulos y aristas. En 1960 gana el premio Julio González de escultura.
En 1961 instala una de sus esculturas en un jardín de Montbau, Barcelona, junto a otros compañeros de futuro prometedor: Subirachs, Angel Ferrant y Eudald Serra; todos miembros de la generación que renovaron la escultura española de posguerra.
Mar SOLÍS
Madrid, 1967
Esta licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense ha colaborado con la también escultora Eva Lootz y realizado cursos de técnicas de metal aplicadas a la escultura en el Centro de Formación Profesional de Barajas, en Madrid; aquí realizó su primera exposición en 1997 en el Mercado Puerta de Toledo.
En 1999, después de asistir al II Taller de Escultura de Martín Chirino en la Fundación Marcelino Botín de Santander, participó en la creación del Grupo Noventaynueve, realizando varias exposiciones colectivas.
Para esta autora, “…la escultura comienza a diluirse en el vacío y a convertirse en espacio, no solo contemplativo o perceptivo, sino un espacio activo que atraviesan los múltiples e intermitentes trazos de madera para después ser habitado…”.
”…En el límite justo entre el cuerpo y la luz, vibra el reflejo de lo incorpóreo, de la posible sombra, de un posible dibujo en una nueva superficie. Decantándose infinitas oportunidades para convertirse en mil formas, para poder transformarse en cualquier capricho de la atmósfera.
La mutación del cuerpo en sombra. De la línea retorcida en luz…”.
El 20 de diciembre de 2002 se abría al público este espacio escénico para, en breve, convertirse en el icono de la Guadalajara moderna.
Pero además de esa impronta visual y conceptual en el entramado urbano y social de la ciudad, son protagonistas y receptores de otras manifestaciones artísticas, más allá de las exigidas por las funciones específicas para las que fueron concebidos: residencia suntuaria y escenario dramático.
Ahondando en estos dos preceptos, el de continentes simbólicos de alta significación y valor estético de corrientes artísticas innovadoras y el de contenedores de manifestaciones culturales, el Ayuntamiento ha querido organizar dentro de los eventos por el 550 aniversario del otorgamiento del título de ciudad una muestra de escultura actual.
Para tan especial ocasión, en colaboración con la Galería Raquel Ponce, hemos seleccionado un acreditado grupo de artistas que con sus obras nos acercarán a las propuestas contemporáneas de vanguardia y a los dos monumentos desde otras perspectivas; afirmando así ese carácter plural y aquella vocación de caja de resonancia para precursores lenguajes formales que, con toda seguridad, se convertirán en referentes del nuevo milenio.
Ricardo CALERO
Villanueva del Arzobispo, Jaén, 1955
Calero es un autor que trabaja con una concepción abierta del arte.
En función de los distintos proyectos, interviene como escultor, fotógrafo, grabador o dibujante; a través de estas especialidades reflexiona sobre el arte y la sociedad actual. Sus obras, acciones e intervenciones, se desarrollan en torno a dos conceptos claves que unifican su trabajo: natural exterior y natural interior.
En 1974 realiza sus primeras exposiciones con obras e instalaciones en un proceso de experimentación y formación.
En 1980 inicia sus acciones e intervenciones artísticas, que continuará a lo largo de toda su trayectoria, cargadas de simbolismo y reflexión en torno a lo social en el arte.
Rafael CANOGAR
Toledo, 1935
Es uno de los principales representantes del arte abstracto en España. Discípulo de Daniel Vázquez Díaz, en sus primeras obras encontró la manera de alcanzar las vanguardias y, muy pronto, estudiar profundamente la abstracción. El informalismo de su caligrafía directa y espontánea fue eminentemente una expresión de libertad, de lo irrepetible y único.
En 1957 funda con otros artistas – Saura, Millares, Feito y Serrano– y el crí-tico José Ayllón el grupo “El Paso”. La tercera dimensión dio finalmente solución a sus inquietudes a partir de 1963, volviendo progresivamente a la realidad de una figuración compleja, cada vez más narrativa.
En 1975 abandona ese realismo e inventa una nueva iconografía, recuperando la memoria –en un homenaje a las vanguardias históricas– a través de la máscara, de la cabeza, del rostro, como representación del hombre que pierde su individualidad y se convierte en signo plástico.
En 1982 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas
Max STREICHER
Alberta (Canadá), 1958
Streicher es un escultor generador de instalaciones que actualmente reside en Toronto; aquí, fue miembro fundador de un colectivo de artistas que dinamizó el calendario de exposiciones de esa ciudad entre 1991 y 1995.
Desde 1989 ha desarrollado un espectro efímero de esculturas figurativas de tamaño colosal que, confeccionadas con telas y tejidos sintéticos empleados para la vestimenta de seguridad de los trabajadores de la industria química, alcanzan su verdadera dimensión cuando son infladas y se convierten en estatuas inestables, cinéticas.
Su currículo se ha desarrollado principalmente en exposiciones individuales y colectivas organizadas por galerías y museos canadienses. Además, ha realizado varios proyectos e internacionales en lugares tan distantes como Taichung (Taiwán), Erfurt (Alemania), Venecia y Siena (Italia), o Praga (República Checa); ciudades donde sus caballos, hombres y bebés gigantes han seducido a todos por su sincera vitalidad.
Juan E. CORREA
Las Palmas de Gran Canaria, 1969
Tras estudiar arquitectura se decidió por el arte, pero sin renunciar a sus conocimientos técnicos de su licenciatura: a estudiar el espacio y llenarlo de vida.
La arquitectura aparece siempre como tema de su obra, y siempre desde un punto de vista de la fragilidad: se hace volátil, etérea, casi quebradiza.
Construir, aquí, es un proceso profundamente intuitivo. “Pulsometría” se define como un tejido de densidades fluctuantes que mantienen la condición de forma abierta, carente de límites. La pulsión la establece un filamento que atrapa los límites temporales de la experiencia, porque, en contraposición, el desarrollo metódico del tejido define un ritmo, un pulso que determina la instrucción del tiempo, de la experiencia.
Carlos A. CUENLLAS
León, 1969
Además de obtener la licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca cursó estudios superiores en la Escuela de Diseño de Nuremberg.
Hasta 2002, las composiciones de Álvarez Cuenllas se constituían por chapas modeladas y tubos de conductos de acero inoxidable y de PVC ensamblados.
Estos trabajos vibrantes y brillantes, de apurada pulcritud, se aproximaban por su elementalidad al diseño industrial o a las instalaciones de servicios de las modernas estructuras arquitectónicas.
Su lenguaje, acusadamente constructivo y tecnológico, conecta con la frialdad geométrica y con el serialismo postminimalistas.
Después, su trabajo tendrá una orientación multidisciplinar: escultura, pintura, diseño, arte público, etc., afirmando su condición de autor interesado en la categoría artística de la instalación –“La habitación de Ardal”, “Mar” y “Setal”– y en la realización de piezas aisladas específicas para intervenciones en espacios predeterminados.
Marcel MARTÍ
Alvear (Argentina), 1925
En 1928 regresa a Barcelona, ciudad en la que iniciará su formación artística a la sombra del pintor Pere Prat Ubach. En 1946 empieza a interesarse por la escultura y, dos años después, realizará su primera muestra en la barcelonesa Sala Caralt. La cogida de esta primera experiencia le impele a trasladarse a París, ciudad donde se relacionará con Ossip Zadkine, André Lhote y Paul Bornet.
En 1959 presenta en la Galería Syra de Barcelona sus primeras esculturas. A partir de ese momento trata de modificar su estilo, explorando formas más natura- Evelyn
Evelyn HELLENSCHMIDT
Eltville, Hessen (Alemania), 1962
En 1986 se traslada a España.
Aquí, en 1991, realiza su primera exposición en la galería sevillana: La Carbonería.
Si algo emana de sus creaciones es la sutil dicotomía entre Silencio
Acero soldado y galvanizado la liviandad, la ligereza y la depuración de formas, frente a la potencia inherente a los metales – hierro, cobre, bronce y latón patinados–, material con el que siempre trabaja por su flexibilidad y su fuerza. Todos estos atributos aproximan su obra a un mundo de evasión en el que colaboran signos ancestrales y simples, como la espiral, y unos “personajillos” – según los denomina su autora–, que son “un factor para definir la escala” y el “elemento necesario para los paisajes que creo, porque en ellos siempre debe estar mi relación con el ser humano”.
Evelyn es ajena a la obsesión de la innovación del leguaje estético, para optar por un camino de expresión personal, alejada de cualquier moda; rastreando en la simplificación de formas, en cierto minimalismo, pero evitando supuestos trasfondos metafísicos.
Hellenschmidt ha expuesto en múltiples capitales españolas, en ARCO y en países como Alemania, Eslovenia y Suecia. les y simbólicas. Se dedica casi exclusivamente al metal, con obras geométricas en las que predominan los ángulos y aristas. En 1960 gana el premio Julio González de escultura.
En 1961 instala una de sus esculturas en un jardín de Montbau, Barcelona, junto a otros compañeros de futuro prometedor: Subirachs, Angel Ferrant y Eudald Serra; todos miembros de la generación que renovaron la escultura española de posguerra.
Mar SOLÍS
Madrid, 1967
Esta licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense ha colaborado con la también escultora Eva Lootz y realizado cursos de técnicas de metal aplicadas a la escultura en el Centro de Formación Profesional de Barajas, en Madrid; aquí realizó su primera exposición en 1997 en el Mercado Puerta de Toledo.
En 1999, después de asistir al II Taller de Escultura de Martín Chirino en la Fundación Marcelino Botín de Santander, participó en la creación del Grupo Noventaynueve, realizando varias exposiciones colectivas.
Para esta autora, “…la escultura comienza a diluirse en el vacío y a convertirse en espacio, no solo contemplativo o perceptivo, sino un espacio activo que atraviesan los múltiples e intermitentes trazos de madera para después ser habitado…”.
”…En el límite justo entre el cuerpo y la luz, vibra el reflejo de lo incorpóreo, de la posible sombra, de un posible dibujo en una nueva superficie. Decantándose infinitas oportunidades para convertirse en mil formas, para poder transformarse en cualquier capricho de la atmósfera.
La mutación del cuerpo en sombra. De la línea retorcida en luz…”.