26/09/2016
NORMA,temporada otoño 2016 de Ópera y Ballet
📍 MULTICINES CACERES
Tenemos el placer de anunciaros la ópera que inaugurará nuestra temporada de otoño de ópera y ballet: Norma, que en 1831 dio la gloria a Bellini, y obra cumbre del bel canto. La disfrutaremos el lunes 26 de septiembre en directo desde la Royal Opera House.
El personaje de la sacerdotisa de los galos, quien traiciona su voto de castidad cuando se enamora de un romano (¡el enemigo invasor!), que después de darle dos hijos la abandona por una mujer más joven, es uno de los papeles más complejos del repertorio. Anna Netrebko había firmado un contrato con Covent Garden hace cuatro años, pero el pasado abril lo canceló; no por enfermedad ni por conflicto de agenda, sino porque no se siente capaz de cantarlo, tal es su exigencia. Por suerte, el teatro de Londres ha demostrado cintura y buen gusto en la elección de su sustituta: la búlgara Sonya Yoncheva, que a sus 34 años ya ha tenido tiempo de ganar el concurso Operalia de Plácido Domingo, de recibir elogios unánimes de los especialistas más destacados (del New York Times, The Guardian, The Times...) y de convertirse en la protegida del director general del Metropolitan neoyorquino, Peter Gelb. Después de encarnar a la Traviata o a Micaela (Carmen), afronta el papel soñado por toda soprano, reservado a las grandes. La acompañará el tenor Joseph Calleja, bajo la batuta de nuestro director favorito, Antonio Pappano.
La octava ópera de Vincenzo Bellini (1801-1835), uno de los títulos más representados y queridos de todo el repertorio, no revolucionó la historia de la música, pero representa la cumbre de un estilo que elevó a sus más altas cotas: el bel canto. Estos rasgos resumirían su partitura:
1) La voz es lo primero: Casta diva
Para Bellini, las emociones del drama y la verdad de los personajes debían reflejarse, por encima de todo, en la voz humana. El autor siciliano nació con un don incomparable para la melodía pura y espontánea, que desplegó en todas las arias y dúos de Norma, una partitura de una riqueza melódica sin rival.
El mejor ejemplo es, obviamente, Casta diva. Por mucho que la hayamos oído, parece imposible no estremecerse con la línea que canta la soprano, un arco de amplísimo desarrollo sobre un bajo arpegiado, lenta, contenida pero al mismo tiempo sensual. Una cadencia hipnótica que da la sensación de tiempo detenido(no deja de ser un ruego a una diosa). Más aún si la canta la mejor Norma de la historia, Maria Callas, en 1954: https://www.youtube.com/watch?v=LJNTUq_mAoo (La flauta, desde el min. 0.20, inicia esa melodía. En el 3.35 entra el coro, y la soprano continúa con coloraturas. En el 4.45 regresa la bellísima línea del comienzo. El final, en torno al min. 6, son notas muy extensas y emotivas). Merece la pena escuchar a Montserrat Caballé en 1974: https://www.youtube.com/watch?v=FIQQv39dcNE
2) Una dulce tristeza
Bien es cierto que otros genios del bel canto también destacaron por su talento para las melodías líricas que fluyen dulcemente, como Rossini. Pero las arias del autor del Barbero de Sevilla permanecían fieles a la tradición del clasicismo, equilibrada y elegante, mientras que Bellini construía melodías románticas, más expresivas y sentimentales. Casi al final del segundo acto, a Pollione lo traen prisionero ante Norma. La sacerdotisa, a la que no solo ha traicionado sino también humillado (al rechazarla cuando le suplicó que volviera con ella y con sus hijos), tiene la oportunidad de hacérselo pagar. Pero ¡ay!, aún lo ama; no puede evitarlo. "En mis manos estás", le dice justo antes de darle una última oportunidad. In mia man, el último encuentro de la soprano y el tenor, mantiene altísimo el listón de las melodías. aquí, Callas y Filippeschi:https://www.youtube.com/watch?v=e3QdPGZ6PAo La voz entra en el 0.46.
Aquí, Callas y Del Monaco (aunque la calidad del audio disminuya, son fuego en directo): https://www.youtube.com/watch?v=TsGNkIKraaE
Sutherland y Pavarotti: https://www.youtube.com/watch?v=nEGPs4GgV8I
Si repasamos los grandes momentos de esta ópera, todos están teñidos de una serena melancolía. Bellini no quiso (o no supo) expresar ni una alegría desbordante ni un desgarro exacerbado (el que, por ejemplo, plasmaría más tarde Verdi en sus tragedias); en cambio, en el ambiente flota una especie de tristeza dulce. Refuerza esa sensación un acompañamiento muy característico, el de arpegios de cuerda suaves y lentos. Ya lo veíamos en Casta diva, sonaba también en In mia man, y aparece en el magistral dúo Mira, O Norma. Aquí, Stignani y Callas: https://www.youtube.com/watch?v=VWBV_nSFIak
3) La sencillez como recurso
Como ya hemos podido apreciar, el estilo de Bellini busca premeditadamente la sencillez, tanto armónica como rítmica. El compositor de Il puritani usa recursos básicos a los que saca el máximo partido. Veamos dos:
- un simple cambio de tonalidad de mayor a menor. En el aria de entrada de Pollione (Meco all'altar), el tenor primero canta a su adorada Adalgisa en el luminoso do mayor (min. 0.13), pero en el min. 1.05 modula a do menor, que genera incertidumbre y peligro, coincidiendo con el cambio del texto: "Quando fra no iterribile viene a locarsi un'ombra..." ("De pronto, entre nosotros se interpuso una sombra terrible". Se refiere a las pesadillas en las que se le aparece la celosa Norma, cuya reacción teme). Con las cuerdas graves y el canto que pasa de lírico a casi declamado, aumenta aún más la tensión. Aquí, Mario Filippeschi. https://www.youtube.com/watch?v=GeW5qrh6SWw (por cierto, nada más salir a escena, Bellini obliga al tenor a emitir un Do de pecho (min. 0.50) en "rapiti i sensi". En el min. 3 comienza un pasaje guerrero, patriótico, de bravura, acompañado por trompetas y el coro. Como casi siempre en este repertorio, Pavarotti brilla más que ninguno: https://www.youtube.com/watch?v=oaGzDh7RcHM Y Bergonzi no se queda corto. A partir del 6.50, Me protegge, me difende: https://www.youtube.com/watch?v=3dQUaPHaGB4
-la propia armonía. Prácticamente todos los momentos cumbre están escritos en tonalidades sencillas, como fa mayor, que solo tiene un si bemol en su armadura. En Teneri figli, esa tonalidad resulta perfecta para expresar la pureza del amor maternal, que se impone al ansia vengativa de Norma. La escena sucede nada más empezar el segundo acto, y merece que le dediquemos un poco más de atención. Bellini -cómo no- nos regala otra melodía celestial que primero suena en la orquesta, aquí en el min. 1.40 en los violines y violonchelos: https://www.youtube.com/watch?v=4XfxgiUpNxM
Después vemos a la protagonista frente a la cama de sus hijos, a los que se dispone a matar (antes de suicidarse) para que no sufran la tiranía de Roma. "Su delito es ser hijos de Pollione... para mí es como si estuvieran ya muertos (...)". Maria Callas llena de vida y pasión esas palabras. Nadie la supera ni en lo vocal ni, sobre todo, en lo dramático. https://www.youtube.com/watch?v=Vs6SA2AihAw
Bellini deja su sello maestro en el min. 6.13, cuando la soprano retoma la melodía bellísima que antes habían expuesto las cuerdas graves. Lo hace en el registro agudo y en pianísimo, porque no quiere despertar a los pequeños.
Aquí, Caballé, min. 2.20: https://www.youtube.com/watch?v=NZPM9311naY
Incluso rabiosa, histérica de celos, casi enajenada, Norma resiste la tentación de la locura de otros personajes románticos (como Anna Bolena o Lady Macbeth), porque en ella pesa más el amor. No puede asesinarlos: "¡No! ¡Son mis hijos!", grita en el min. 4.20 https://www.youtube.com/watch?v=y59q7H-__ak
4) Ídolo del romanticismo
Una genialidad como la escena que acabamos de comentar justificaría cualquier ópera, y es la prueba definitiva del equilibrio entre fuerza dramática y lirismo melódico que hace único a Bellini. El autor de Catania, de hecho, abrió caminos para la siguiente escuela, el romanticismo. ¿Acaso no es romántica su heroína, con aristas y complejidades morales? Por no hablar del esfuerzo del compositor por romper las formas convencionales del teatro para unir con fluidez drama y música, sin los cortes característicos de la época y sus números cerrados. El mejor ejemplo es el final del primer acto: comienza como una conversación entre Adalgisa y Norma, hasta que, sin romper la continuidad, entra Pollione y se descubre el pastel. Aquí lo podemos escuchar completo: Oh! di qual sei tu vittima / Norma! De' tuoi rimproveri / Oh! qual traspare orribile), con Callas, Simionato y Del Monaco: https://www.youtube.com/watch?v=-qNw3Nd5e5E Y solo el pasaje más famoso, No, non tremare, con Callas, Ludwig, Corelli: https://www.youtube.com/watch?v=dKTVhhap1Tw En el min. 3 se inicia el trío, de armonía celestial.
Entre los románticos que idolatraban Norma destacó Chopin, al que conoció en París en 1833. El polaco desarrolló su particular estilo melódico a partir de Donizetti y Bellini (sus nocturnos para piano se acercan mucho a las líneas cantables de estos), y homenajeó al segundo citando el pasaje Teneri figli de Norma en el Estudio para piano en Do sostenido op. 25. a partir del 0.20, se aprecia claramente en el 0.48: https://www.youtube.com/watch?v=sRrduXWh0Ag
(recordemos la melodía de la soprano, en el 6.12 aquí: https://www.youtube.com/watch?v=Vs6SA2AihAw)
5) Mejor orquestador de lo que decían...
En 1831, Bellini venía de triunfar con la deliciosa comedia La sonnambula, pero no pocos especialistas habían atacado su orquestación. En Norma dio en las narices a los críticos ya desde la fantástica obertura, aquí dirigida por Daniel Harding:https://www.youtube.com/watch?v=3JW3R0i9qbM
Aparte de varios momentos decisivos que se construyen alrededor de la orquesta (el inicio del segundo acto, Teneri figli; y el clímax que acabamos de ver), Bellini llena la partitura de detalles. Una instrumentación fina, delicada y muy imaginativa. Por ejemplo, las distintas secciones de la orquesta identifican a personajes: las trompetas se asocian a los guerreros y a los druidas; la flauta representa el amor, tanto de Norma y Pollione (en su dúo final) como de los hijos (inicio del segundo acto); y el viento madera, en especial el clarinete, describe la pureza juvenil de Adalgisa en su plegaria inicial. Sgombra e la sacra, con Fiorenza Cossotto:https://www.youtube.com/watch?v=QeAZSp3MhtA
6) ... y más innovador de lo que parece
En el bel canto, la corriente que imperaba en Italia en el primer tercio del XIX, los compositores solían recibir encargos urgentes, de plazos casi imposibles. Para poder afrontarlos, recurrían a fórmulas establecidas, referidas a la estructura y el orden de la ópera. Bellini, a diferencia de otros coetáneos, se tomó libertades formales. Ya hemos visto cómo en el desenlace huye de la espectacularidad y apuesta por el lirismo, pero también es novedoso su enfoque de los recitativos: esos pasajes, en los que la acción avanza (a diferencia de las arias, donde se trata de que los personajes exterioricen sus sentimientos), eran fundamentales desde el punto de vista teatral, pero normalmente bastante aburridos, con un canto medio declamado, bastante plano, y un acompañamiento de clavecín. En cambio, Bellini incorporó a la orquesta y también insertó pasajes cantabiles memorables. Veamos tres muy importantes para el drama y, a su vez, muy bellos musicalmente.Sediziose voci, entrada de la sacerdotisa en el primer acto, aquí con Callas: https://www.youtube.com/watch?v=ESlbGh_8480
Y, sobre todo, Ei tornera, donde de pronto la soprano acomete una exigencia vocal solo apta para elegidas, como Callas. Aquí, canta seguido, sin interrumpir para respirar, entre el min. 1.37 y el 1.53 (!) "Come del primo amor):https://www.youtube.com/watch?v=jju1ZTmHWmI
Ese momento es tan impresionante que en internet incluso encuentramos compilaciones de sus mejores interpretaciones, cada una con toques diferentes: https://www.youtube.com/watch?v=GlhGWjQIJo0 (en el 2.38, insuperable -versión de 1955, en su plenitud-. En cambio, en el 4.40, grabación de 1965, con la voz desgastada y abuso de vibrato, ya tiene que respirar entre medias).
Por otra parte, los coros patrióticos de Oroveso y los sacerdotes, su firmeza antes de rebelarse contra el invasor (Guerra, guerra), tienen el tono de una marcha militar y preceden a los profetas y libertadores del pueblo oprimido de las primeras obras de Verdi, como Nabucco. Ite sul colle, con Ramey como Oroveso (el gran barítono empieza a cantar en el 2.20). Parte sinfónica, con gran intervención de todas las secciones de la orquesta: https://www.youtube.com/watch?v=amFbgjqGhB8
Guerra, el coro de combate: https://www.youtube.com/watch?v=-o77jAw4KVY
7) Sin olvidar el bel canto
De todos modos, Bellini no era un rebelde o un revolucionario musical, y continuó la tradición de bel canto. En ese estilo, la voz asume todo protagonismo, y los cantantes, grandes estrellas, deben superar retos vocales a partir de una técnica perfecta: sobreagudos, trinos, escalas rápidas... En Norma, la pirotecnia vocal está presente, pero queda limitada a momentos concretos. Por poner un par de ejemplos, en Già mi pasco la soprano (y, en menor medida, el tenor), va a toda velocidad, y no hay nota sin su adorno (es lo que se denomina "coloratura"). Callas y Filippeschi: https://youtu.be/qNijzRaycEo
En Oh, rimembranza (Caballé y Sutherland), comienzan las coloraturas en el min. 4: https://www.youtube.com/watch?v=WwngNPBKgak En el 5.30, regresa el dúo de voces. Aquí, Caballé y Cossotto: https://www.youtube.com/watch?v=4HTr8RuYxAM
Y no solo la protagonista se enfrenta a un papel complicado: también el tenor debe afrontar dificultades, como en Va, crudele, dúo del primer acto de Adalgisa y Pollione, donde pasa del registro agudo (0.48) al más grave (0.55) en una misma frase. Aquí, Corelli y Christa Ludwig: https://youtu.be/njwFihfhIrM (y en el min. 5,30 la preciosa Vieni in Roma)
El personaje de la sacerdotisa de los galos, quien traiciona su voto de castidad cuando se enamora de un romano (¡el enemigo invasor!), que después de darle dos hijos la abandona por una mujer más joven, es uno de los papeles más complejos del repertorio. Anna Netrebko había firmado un contrato con Covent Garden hace cuatro años, pero el pasado abril lo canceló; no por enfermedad ni por conflicto de agenda, sino porque no se siente capaz de cantarlo, tal es su exigencia. Por suerte, el teatro de Londres ha demostrado cintura y buen gusto en la elección de su sustituta: la búlgara Sonya Yoncheva, que a sus 34 años ya ha tenido tiempo de ganar el concurso Operalia de Plácido Domingo, de recibir elogios unánimes de los especialistas más destacados (del New York Times, The Guardian, The Times...) y de convertirse en la protegida del director general del Metropolitan neoyorquino, Peter Gelb. Después de encarnar a la Traviata o a Micaela (Carmen), afronta el papel soñado por toda soprano, reservado a las grandes. La acompañará el tenor Joseph Calleja, bajo la batuta de nuestro director favorito, Antonio Pappano.
La octava ópera de Vincenzo Bellini (1801-1835), uno de los títulos más representados y queridos de todo el repertorio, no revolucionó la historia de la música, pero representa la cumbre de un estilo que elevó a sus más altas cotas: el bel canto. Estos rasgos resumirían su partitura:
1) La voz es lo primero: Casta diva
Para Bellini, las emociones del drama y la verdad de los personajes debían reflejarse, por encima de todo, en la voz humana. El autor siciliano nació con un don incomparable para la melodía pura y espontánea, que desplegó en todas las arias y dúos de Norma, una partitura de una riqueza melódica sin rival.
El mejor ejemplo es, obviamente, Casta diva. Por mucho que la hayamos oído, parece imposible no estremecerse con la línea que canta la soprano, un arco de amplísimo desarrollo sobre un bajo arpegiado, lenta, contenida pero al mismo tiempo sensual. Una cadencia hipnótica que da la sensación de tiempo detenido(no deja de ser un ruego a una diosa). Más aún si la canta la mejor Norma de la historia, Maria Callas, en 1954: https://www.youtube.com/watch?v=LJNTUq_mAoo (La flauta, desde el min. 0.20, inicia esa melodía. En el 3.35 entra el coro, y la soprano continúa con coloraturas. En el 4.45 regresa la bellísima línea del comienzo. El final, en torno al min. 6, son notas muy extensas y emotivas). Merece la pena escuchar a Montserrat Caballé en 1974: https://www.youtube.com/watch?v=FIQQv39dcNE
2) Una dulce tristeza
Bien es cierto que otros genios del bel canto también destacaron por su talento para las melodías líricas que fluyen dulcemente, como Rossini. Pero las arias del autor del Barbero de Sevilla permanecían fieles a la tradición del clasicismo, equilibrada y elegante, mientras que Bellini construía melodías románticas, más expresivas y sentimentales. Casi al final del segundo acto, a Pollione lo traen prisionero ante Norma. La sacerdotisa, a la que no solo ha traicionado sino también humillado (al rechazarla cuando le suplicó que volviera con ella y con sus hijos), tiene la oportunidad de hacérselo pagar. Pero ¡ay!, aún lo ama; no puede evitarlo. "En mis manos estás", le dice justo antes de darle una última oportunidad. In mia man, el último encuentro de la soprano y el tenor, mantiene altísimo el listón de las melodías. aquí, Callas y Filippeschi:https://www.youtube.com/watch?v=e3QdPGZ6PAo La voz entra en el 0.46.
Aquí, Callas y Del Monaco (aunque la calidad del audio disminuya, son fuego en directo): https://www.youtube.com/watch?v=TsGNkIKraaE
Sutherland y Pavarotti: https://www.youtube.com/watch?v=nEGPs4GgV8I
Si repasamos los grandes momentos de esta ópera, todos están teñidos de una serena melancolía. Bellini no quiso (o no supo) expresar ni una alegría desbordante ni un desgarro exacerbado (el que, por ejemplo, plasmaría más tarde Verdi en sus tragedias); en cambio, en el ambiente flota una especie de tristeza dulce. Refuerza esa sensación un acompañamiento muy característico, el de arpegios de cuerda suaves y lentos. Ya lo veíamos en Casta diva, sonaba también en In mia man, y aparece en el magistral dúo Mira, O Norma. Aquí, Stignani y Callas: https://www.youtube.com/watch?v=VWBV_nSFIak
3) La sencillez como recurso
Como ya hemos podido apreciar, el estilo de Bellini busca premeditadamente la sencillez, tanto armónica como rítmica. El compositor de Il puritani usa recursos básicos a los que saca el máximo partido. Veamos dos:
- un simple cambio de tonalidad de mayor a menor. En el aria de entrada de Pollione (Meco all'altar), el tenor primero canta a su adorada Adalgisa en el luminoso do mayor (min. 0.13), pero en el min. 1.05 modula a do menor, que genera incertidumbre y peligro, coincidiendo con el cambio del texto: "Quando fra no iterribile viene a locarsi un'ombra..." ("De pronto, entre nosotros se interpuso una sombra terrible". Se refiere a las pesadillas en las que se le aparece la celosa Norma, cuya reacción teme). Con las cuerdas graves y el canto que pasa de lírico a casi declamado, aumenta aún más la tensión. Aquí, Mario Filippeschi. https://www.youtube.com/watch?v=GeW5qrh6SWw (por cierto, nada más salir a escena, Bellini obliga al tenor a emitir un Do de pecho (min. 0.50) en "rapiti i sensi". En el min. 3 comienza un pasaje guerrero, patriótico, de bravura, acompañado por trompetas y el coro. Como casi siempre en este repertorio, Pavarotti brilla más que ninguno: https://www.youtube.com/watch?v=oaGzDh7RcHM Y Bergonzi no se queda corto. A partir del 6.50, Me protegge, me difende: https://www.youtube.com/watch?v=3dQUaPHaGB4
-la propia armonía. Prácticamente todos los momentos cumbre están escritos en tonalidades sencillas, como fa mayor, que solo tiene un si bemol en su armadura. En Teneri figli, esa tonalidad resulta perfecta para expresar la pureza del amor maternal, que se impone al ansia vengativa de Norma. La escena sucede nada más empezar el segundo acto, y merece que le dediquemos un poco más de atención. Bellini -cómo no- nos regala otra melodía celestial que primero suena en la orquesta, aquí en el min. 1.40 en los violines y violonchelos: https://www.youtube.com/watch?v=4XfxgiUpNxM
Después vemos a la protagonista frente a la cama de sus hijos, a los que se dispone a matar (antes de suicidarse) para que no sufran la tiranía de Roma. "Su delito es ser hijos de Pollione... para mí es como si estuvieran ya muertos (...)". Maria Callas llena de vida y pasión esas palabras. Nadie la supera ni en lo vocal ni, sobre todo, en lo dramático. https://www.youtube.com/watch?v=Vs6SA2AihAw
Bellini deja su sello maestro en el min. 6.13, cuando la soprano retoma la melodía bellísima que antes habían expuesto las cuerdas graves. Lo hace en el registro agudo y en pianísimo, porque no quiere despertar a los pequeños.
Aquí, Caballé, min. 2.20: https://www.youtube.com/watch?v=NZPM9311naY
Incluso rabiosa, histérica de celos, casi enajenada, Norma resiste la tentación de la locura de otros personajes románticos (como Anna Bolena o Lady Macbeth), porque en ella pesa más el amor. No puede asesinarlos: "¡No! ¡Son mis hijos!", grita en el min. 4.20 https://www.youtube.com/watch?v=y59q7H-__ak
4) Ídolo del romanticismo
Una genialidad como la escena que acabamos de comentar justificaría cualquier ópera, y es la prueba definitiva del equilibrio entre fuerza dramática y lirismo melódico que hace único a Bellini. El autor de Catania, de hecho, abrió caminos para la siguiente escuela, el romanticismo. ¿Acaso no es romántica su heroína, con aristas y complejidades morales? Por no hablar del esfuerzo del compositor por romper las formas convencionales del teatro para unir con fluidez drama y música, sin los cortes característicos de la época y sus números cerrados. El mejor ejemplo es el final del primer acto: comienza como una conversación entre Adalgisa y Norma, hasta que, sin romper la continuidad, entra Pollione y se descubre el pastel. Aquí lo podemos escuchar completo: Oh! di qual sei tu vittima / Norma! De' tuoi rimproveri / Oh! qual traspare orribile), con Callas, Simionato y Del Monaco: https://www.youtube.com/watch?v=-qNw3Nd5e5E Y solo el pasaje más famoso, No, non tremare, con Callas, Ludwig, Corelli: https://www.youtube.com/watch?v=dKTVhhap1Tw En el min. 3 se inicia el trío, de armonía celestial.
Entre los románticos que idolatraban Norma destacó Chopin, al que conoció en París en 1833. El polaco desarrolló su particular estilo melódico a partir de Donizetti y Bellini (sus nocturnos para piano se acercan mucho a las líneas cantables de estos), y homenajeó al segundo citando el pasaje Teneri figli de Norma en el Estudio para piano en Do sostenido op. 25. a partir del 0.20, se aprecia claramente en el 0.48: https://www.youtube.com/watch?v=sRrduXWh0Ag
(recordemos la melodía de la soprano, en el 6.12 aquí: https://www.youtube.com/watch?v=Vs6SA2AihAw)
5) Mejor orquestador de lo que decían...
En 1831, Bellini venía de triunfar con la deliciosa comedia La sonnambula, pero no pocos especialistas habían atacado su orquestación. En Norma dio en las narices a los críticos ya desde la fantástica obertura, aquí dirigida por Daniel Harding:https://www.youtube.com/watch?v=3JW3R0i9qbM
Aparte de varios momentos decisivos que se construyen alrededor de la orquesta (el inicio del segundo acto, Teneri figli; y el clímax que acabamos de ver), Bellini llena la partitura de detalles. Una instrumentación fina, delicada y muy imaginativa. Por ejemplo, las distintas secciones de la orquesta identifican a personajes: las trompetas se asocian a los guerreros y a los druidas; la flauta representa el amor, tanto de Norma y Pollione (en su dúo final) como de los hijos (inicio del segundo acto); y el viento madera, en especial el clarinete, describe la pureza juvenil de Adalgisa en su plegaria inicial. Sgombra e la sacra, con Fiorenza Cossotto:https://www.youtube.com/watch?v=QeAZSp3MhtA
6) ... y más innovador de lo que parece
En el bel canto, la corriente que imperaba en Italia en el primer tercio del XIX, los compositores solían recibir encargos urgentes, de plazos casi imposibles. Para poder afrontarlos, recurrían a fórmulas establecidas, referidas a la estructura y el orden de la ópera. Bellini, a diferencia de otros coetáneos, se tomó libertades formales. Ya hemos visto cómo en el desenlace huye de la espectacularidad y apuesta por el lirismo, pero también es novedoso su enfoque de los recitativos: esos pasajes, en los que la acción avanza (a diferencia de las arias, donde se trata de que los personajes exterioricen sus sentimientos), eran fundamentales desde el punto de vista teatral, pero normalmente bastante aburridos, con un canto medio declamado, bastante plano, y un acompañamiento de clavecín. En cambio, Bellini incorporó a la orquesta y también insertó pasajes cantabiles memorables. Veamos tres muy importantes para el drama y, a su vez, muy bellos musicalmente.Sediziose voci, entrada de la sacerdotisa en el primer acto, aquí con Callas: https://www.youtube.com/watch?v=ESlbGh_8480
Y, sobre todo, Ei tornera, donde de pronto la soprano acomete una exigencia vocal solo apta para elegidas, como Callas. Aquí, canta seguido, sin interrumpir para respirar, entre el min. 1.37 y el 1.53 (!) "Come del primo amor):https://www.youtube.com/watch?v=jju1ZTmHWmI
Ese momento es tan impresionante que en internet incluso encuentramos compilaciones de sus mejores interpretaciones, cada una con toques diferentes: https://www.youtube.com/watch?v=GlhGWjQIJo0 (en el 2.38, insuperable -versión de 1955, en su plenitud-. En cambio, en el 4.40, grabación de 1965, con la voz desgastada y abuso de vibrato, ya tiene que respirar entre medias).
Por otra parte, los coros patrióticos de Oroveso y los sacerdotes, su firmeza antes de rebelarse contra el invasor (Guerra, guerra), tienen el tono de una marcha militar y preceden a los profetas y libertadores del pueblo oprimido de las primeras obras de Verdi, como Nabucco. Ite sul colle, con Ramey como Oroveso (el gran barítono empieza a cantar en el 2.20). Parte sinfónica, con gran intervención de todas las secciones de la orquesta: https://www.youtube.com/watch?v=amFbgjqGhB8
Guerra, el coro de combate: https://www.youtube.com/watch?v=-o77jAw4KVY
7) Sin olvidar el bel canto
De todos modos, Bellini no era un rebelde o un revolucionario musical, y continuó la tradición de bel canto. En ese estilo, la voz asume todo protagonismo, y los cantantes, grandes estrellas, deben superar retos vocales a partir de una técnica perfecta: sobreagudos, trinos, escalas rápidas... En Norma, la pirotecnia vocal está presente, pero queda limitada a momentos concretos. Por poner un par de ejemplos, en Già mi pasco la soprano (y, en menor medida, el tenor), va a toda velocidad, y no hay nota sin su adorno (es lo que se denomina "coloratura"). Callas y Filippeschi: https://youtu.be/qNijzRaycEo
En Oh, rimembranza (Caballé y Sutherland), comienzan las coloraturas en el min. 4: https://www.youtube.com/watch?v=WwngNPBKgak En el 5.30, regresa el dúo de voces. Aquí, Caballé y Cossotto: https://www.youtube.com/watch?v=4HTr8RuYxAM
Y no solo la protagonista se enfrenta a un papel complicado: también el tenor debe afrontar dificultades, como en Va, crudele, dúo del primer acto de Adalgisa y Pollione, donde pasa del registro agudo (0.48) al más grave (0.55) en una misma frase. Aquí, Corelli y Christa Ludwig: https://youtu.be/njwFihfhIrM (y en el min. 5,30 la preciosa Vieni in Roma)