Agenda

Franz Erhard Walther

📍 Reina Sofía

A través de la producción de objetos participativos, esculturas en tela y su propio cuerpo, Franz Erhard Walther (Fulda, Alemania, 1939) expande la definición del arte y su relación con los públicos. Para el artista, el arte posee un carácter inmaterial y performativo que se manifiesta en el compromiso individual, físico y mental del espectador en el momento de encontrarse con las obras.  Esta exposición acoge una selección representativa de su temprana serie Handlungsstücke [Obras de acción], de los años sesenta, considerada por Walther no como un conjunto de performances, sino como “demostraciones de trabajo” donde el cuerpo, el espacio y el tiempo se convierten en materiales escultóricos. Entre ellas destaca la instalación 1. Werksatz [Primer conjunto de obras, 1963–1969], presentada por primera vez en la documenta 5 de Kassel (1972), en la que el autor explora muchas de las ideas que serían esenciales en su obra posterior, como la relación entre materiales y acción, espectador y objeto. Las piezas monumentales Wandformationen [Formaciones de pared, 1969–1985] y su gran instalación Das neue Alphabet [El nuevo alfabeto, 1990–1996], también incluidas en esta muestra, son ejemplo de ello. Completan la selección algunos trabajos en papel de su primera etapa, como la serie Wortbilder [Cuadros de palabras, finales de la década de 1950], así como fotografías históricas y videos. Durante la muestra, el artista y varios actores, siguiendo sus instrucciones, activarán algunas de sus “obras de acción”.

Taller de plantón forestal

📍 Parque de Retiro

La Asociación Plantamos Árboles presenta su proyecto en nuestro centro y, junto a sus voluntarios, invita a participar a las familias en una actividad de trasplante de árboles a bandejas forestales, colaborando a la reforestación de nuestro planeta. Se repartirán entre los participantes árboles de un par de savias.      Lugar: Centro de Educación Ambiental “El Huerto del Retiro. A partir de 7 años. 6 de mayo, en horario de 11 a 13 h. Es necesario realizar reserva previa.

Mchine de Cirque

📍 Circo Price

La compañía canadiense Machine de Cirque presenta su primer espectáculo nutrido de la experiencia y el largo recorrido internacional de sus artistas. Un auténtico show de circo que contiene todos los ingredientes para cautivar al público desde el primer minuto: los artistas, divertidos, a veces nostálgicos o magistralmente locos , utilizan todo tipo de objetos para hacer malabares y acrobacias acompañadas de mucho humor y música y con una puesta en escena cuidada hasta el más mínimo detalle. Precios: Platea: 15 € Preferente: 18 € DESCUENTOS GENERALES 20% descuento: Carné Joven, menores de 14 años, mayores de 65 años y personas en silla de ruedas. 15% de descuento: poseedores del carné de Bibliotecas Municipales (Este descuento sólo se aplica en la venta en taquilla). Descuentos no acumulables entre sí ni con otras promociones. PRECIOS ESPECIALES PARA GRUPOS (Mínimo 10 personas): consultar en reservasgrupos@teatrocircoprice.es En caso de espectadores con diversidad funcional se ruega contacten con el Teatro Circo Price si desean información detallada sobre nuestras instalaciones. Atención a espectadores: teléfono 91 318 47 00. Horario de atención: de lunes a domingo de 11 a 22 h.

TERTULIA POÉTICA Y LITERARIA DE RETIRO

📍 SALA DISTRITO DE RETIRO Av. Ciudad de Barcelona, 162

TERTULIA POÉTICA Y LITERARIA DE RETIRO Poetas: Maite Cuesta Herrero y Jesús Javier Lázaros Libros: “La novela de GENJI”. Recordando a Gloria Fuertes                         Coordina: Evaristo Cadenas                        6 de abril, a las 19.00 h.  

Piedad y terror en Picasso El camino a Guernica

📍 Reina Sofía

Coincidiendo con el 80 aniversario de la primera vez que se expuso Guernica, el Museo Reina Sofía presenta en abril de 2017 la muestra Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica. La exposición aborda la visión que proyectó Picasso sobre la guerra moderna –guerra desde el aire, muerte en la distancia, cuyo objetivo era la destrucción de poblaciones enteras– así como la singular iconografía de agonía, perplejidad y horror que este tipo de violencia trae consigo. En concreto, se centra en las raíces del imaginario de Guernica que podemos encontrar en obras previas del pintor, realizadas en los años posteriores a 1925, donde ya aparecen escenas de acción frenética y extática, a menudo rodeadas de un halo de peligro y que presentan situaciones de violencia explícita: bailes desaforados, feroces enfrentamientos entre el artista y la modelo, monstruosos forcejeos de índole sexual en la playa, o mujeres atrapadas en sillones con la boca abierta en un grito o rugido salvaje. Picasso trató esta temática en varias ocasiones. Decía que en sus cuadros de desnudos el sillón simbolizaba la muerte yacente que aguarda a la belleza; y cuando le preguntaron por la tristeza y la ansiedad que acechaban los cuadros de Dora Maar, replicó abruptamente que la mujer no era más que “una máquina de sufrimiento”, una declaración que algunos entendieron como compasiva y otros, como arrogante. Sin duda, en Guernica la compasión ganó la batalla. Asimismo, cabe destacar que en el cuadro la violencia “no” es parte de un baile sexual en el que la agresión y la sumisión se mezclan con el deseo y el placer. Sin embargo, en el conjunto de la obra de Picasso a menudo sí se produce esa fusión. En este sentido, la exposición busca explorar las profundas ambivalencias en las que incurrió el artista en el tratamiento de la violencia y la sexualidad. Guernica representa un interior que se desmorona, una habitación rota en mil pedazos por una bomba. Para el artista este era un tema nuevo y extremadamente difícil. Desde el principio, su universo pictórico se basó en el espacio contenido de una habitación: celebraba y confiaba en la intimidad y cercanía garantizadas por cuatro paredes y una ventana. No obstante, llama la atención cómo se siente atraído por todos los elementos de la modernidad del siglo XX que ponen en riesgo dicha habitación-espacio. Por otra parte, se analiza el nuevo tratamiento que Picasso hizo de los interiores a partir de 1924. A este respecto, cada vez con mayor frecuencia, cuerpos rotos o desmembrados invaden salones y estudios, y el mundo exterior presiona para entrar por la ventana. La habitación se acaba poblando de monstruos. Finalmente, en torno a 1930, las criaturas escapan de la habitación y comienzan a encontrar su sitio en un espacio abierto, incluso público. Los monstruos se vuelven monumentos. La monstruosidad en su obra no es en absoluto sencilla ni tiene una connotación negativa; más bien, es una nueva forma de vitalidad y auto-reconocimiento.  El recorrido planteado por la exposición pone de relieve que no hubiera sido posible para el artista concebir Guernica –esa puesta en escena final de una inmensa tragedia dirigida al ámbito público– sin estos singulares experimentos anteriores. Por esta razón, la muestra arranca con las naturalezas muertas y los interiores de los años 1924 y 1925,  para dar paso a cómo Picasso abordó la monstruosidad y la violencia a finales de esa década y durante la siguiente, con sus terribles retratos e interiores realizados al comienzo de la Segunda Guerra.

PASIÓN POR EL COLOR

📍 CASA DE VACAS Pº Colombia s/n

SALA DE EXPOSICIONES   “PASIÓN POR EL COLOR” Pedro Sandoval Del 5 de abril al 1 de mayo  

Piedad y terror. Picasso en guerra

📍 Reina Sofía

5, 18, 24 abril y 4 mayo, 2017 - 19:00 h / Edificio Nouvel. Auditorio 200 y Edificio Sabatini, Auditorio La obra de Picasso ha sido considerada desde el momento de su propia concepción como una de las afirmaciones más vitalistas y categóricas de la modernidad. La jerarquía ingobernable de un autor libre e imprevisible, la exposición pública de la esfera íntima del pintor y la superación de cualquier modelo histórico previo, en el que se incluían las mismas vanguardias históricas, contribuía a fortalecer el mito prometeico del artista moderno. Este seminario argumenta que la relevancia contemporánea de Picasso, así como la de la modernidad, no responde a estos argumentos obvios y recurrentes, sino a la capacidad del artista en conectar con el sentido y la experiencia del tiempo que ha caracterizado la mayor parte del siglo XX.  Devastación, catástrofe, aniquilamiento o destrucción masiva han sida las notas predominantes con las que destacados historiadores del siglo XX, como Eric Hobsbawn o Tony Judt, han resaltado la pasada centuria dentro del ciclo largo de la modernidad. Todas ellas se concretan en la aparición de una arrolladora e implacable maquinaria al servicio de la guerra moderna. Una guerra dominada por el imaginario y los efectos  de la bomba, en tanto que destrucción total y distante desde el aire, y por la aparición de la noción de “daño colateral”, en sustitución de la de víctimas de guerra. La reducción a cenizas del pueblo vasco de Gernika en 1937 es considerada uno de los primeros ejemplos de esta implacable maquinaria destructiva, frente a la cual  Picasso reacciona pintando el icono moderno que todavía hoy ondea en las calles de Alepo, Cisjordania o Bagdad, episodios recientes de otras muertes desde el aire. El Guernica, junto a su dimensión universal, también se interpreta como un callejón sin salida en la relación histórica entre vanguardia y realidad social y, por tanto, como una obra monumental y aislada en la amplia producción artística de Picasso.  Este seminario, retomando las tesis sostenidas por la exposición de mismo título, defiende por el contrario que el síntoma de la guerra y su patología en el cuerpo, en la psique y en el espacio habitan la obra de Picasso desde mucho antes, y también desde mucho después, de 1937. Cobra presencia en las mutilaciones físicas de la figura femenina, en los cuerpos militarizados, en la progresiva desaparición del espacio privado del interior burgués, en las criaturas monstruosas e inocentes que portan extremidades punzantes y destructivas…características de la pintura de años previos del artista que, en conjunto, describen un mundo de placer y amenaza,  de exceso carnal y sacrificio profano, que culminará en el Guernica. El seminario se plantea en cuatro momentos: un encuentro entre T.J. Clark, Anne Wagner y Rosario Peiró en torno a la exposición y tres conferencias a cargo de Charlie Miller, Nancy Berthier y Eugenio Carmona, que examinan la relación entre Picasso y Georges Bataille, la influencia de los medios de masas y la imposibilidad de “interpretar” de manera unívoca el Guernica respectivamente.  Programa Miércoles, 5 de abril  Edificio Sabatini, Auditorio  T.J. Clark, Anne M. Wagner y Rosario Peiró. Encuentro en torno a Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica  En colaboración con: illycaffè  Martes, 18 de abril  Edificio Nouvel, Auditorio 200  Charlie Miller. Las políticas del mito. Picasso, Bataille y el antifascismo  Lunes, 24 de abril  Edificio Sabatini, Auditorio  Nancy Berthier. La imagen ausente. Picasso y el cine  Jueves, 4 de mayo  Edificio Nouvel, Auditorio 200.  Eugenio Carmona. Economía política de Guernica Participantes T.J. Clark, historiador del arte. Docente emérito de la Universidad de California, Berkeley, ha sido asimismo profesor en las universidades de Harvard, Londres (Courtauld Institute of Art), Leeds y Essex. Es autor de Picasso and Truth. From Cubism to Guernica (2013) y Farewell to an Idea. Episodes from a History of Modernism (1999), entre otros estudios monográficos. Es co-comisario, junto a Anne M. Wagner, de la exposición Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica.    Anne M. Wagner, historiadora del arte. Docente emérita de la Universidad de California, Berkeley, ha sido profesora visitante en el Courtauld Institute of Art, Londres. Es autora de A House Divided: American Art since 1955 (2012) y Three Artists (Three Women): Modernism and the Art of Hesse, Krasner, and O’Keefe (1996), entre otros libros. Es co-comisaria, junto a T.J. Clark, de la exposición Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica.  Charlie Miller, historiador del arte. Es profesor de Historia y Teoría del Arte en la Universidad de Manchester. Ha publicado ensayos y artículos sobre Picasso, el surrealismo, Georges Bataille, la revista Documents, Antonin Artaud, y el postestructuralismo. Es autor del libro Radical Picasso: History, Theory, and the Avant-Garde (2017).  Nancy Berthier, historiadora del cine. Es catedrática de Artes Visuales en la Universidad de la Sorbona (París), donde también dirige el Centro de Estudios Ibéricos y Latinoamericanos. Ha publicado el libro Le franquisme et son image. Cinéma et propagande (1998), editado el volumen Retóricas del miedo: imágenes de la Guerra civil española (junto a Vicente Sánchez Biosca, en 2012) y dirigido Guernica: de la imagen ausente al icono, número monográfico de la revista Archivos de la Filmoteca (2011).  Eugenio Carmona, historiador del arte. Es catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Málaga, ha sido miembro del comité de creación de la Colección Cubista de la Fundación Telefónica y en la actualidad de la Colección Maestros Modernos de la Fundación Mapfre. Es autor de una amplia obra escrita y expositiva sobre Picasso, Braque, Juan Gris y las narraciones de la vanguardia en España, entre las que destacan las muestras El cubismo y sus entornos (MNAC, 2005) y Picasso and Spanish modernity: works from the Collection of the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Palazzo Strozzi y Banco do Brasil, 2015).  

EL COLOR DE LA LUZ

📍 SALA DISTRITO DE RETIRO Av. Ciudad de Barcelona, 162

“EL COLOR DE LA LUZ” Exposición de fotografía José Carlos Fernández Chaperón Del 4 al 27 de abril  

Tesoros de la Hispanic Society of America. Visiones del mundo hispánico

El Museo del Prado, con el patrocinio en exclusiva de la Fundación BBVA, ofrece al público la excepcional oportunidad de disfrutar de más de doscientas obras pertenecientes a Hispanic Society, institución con sede en Nueva York creada para la divulgación y estudio de la cultura española en los Estados Unidos de América. La Hispanic Society posee la más importante colección de arte hispano fuera de nuestro país, con más de 18.000 piezas que abarcan del Paleolítico al siglo XX, y una biblioteca extraordinaria con más de 250.000 manuscritos y 35.000 libros raros, entre los que se incluyen 250 incunables. Ninguna otra institución en el mundo, incluyendo España, permite por sí sola un recorrido tan completo por nuestra historia, arte y cultura. Piezas arqueológicas, escultura romana, cerámicas, vidrios, muebles, tejidos, metalistería, arte islámico y medieval, obras del Siglo de Oro, arte colonial y del siglo XIX latinoamericano y pintura hispana de los siglos XIX y XX se muestran en un recorrido cronológico y temático donde la pintura española, con obras tan relevantes como La Duquesa de Alba de Goya o Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares de Velázquez, entabla un fascinante diálogo con las colecciones del Prado. Hasta el 10 de septiembre, el Museo del Prado acoge, en las salas A, B y C del edificio Jerónimos, los tesoros del Museo y Biblioteca de la Hispanic Society, una institución centenaria, ubicada en la parte alta de Manhattan, en Nueva York, que abrió sus puertas en 1904 por el empeño personal de Archer Milton Huntington (1870-1955). Este coleccionista e hispanista americano quiso crear una institución que, a través de una biblioteca y unas colecciones de arte elegidas de manera erudita y sistemática, fomentara la apreciación rigurosa de la cultura española y profundizara en el estudio de la literatura y el arte de España, Portugal y América Latina. “Tesoros de la Hispanic Society of America. Visiones del mundo hispánico” propone, a través de más de doscientas obras que incluyen pinturas, dibujos y esculturas, piezas arqueológicas y de artes decorativas, además de textiles y mobiliario y manuscritos y documentos de su biblioteca, un fascinante recorrido cronológico y temático por lo más representativo de sus vastas colecciones. Con la presentación de esta muestra, que ocupa todas las salas de exposiciones temporales de su ampliación, el Museo del Prado –como ya hiciera con “El Hermitage en el Prado” en 2012- brinda a sus visitantes el privilegio de disfrutar de un museo dentro de otro. En este caso, la reforma de la sede de la Hispanic Society permite traer a España lo mejor de sus extraordinarias colecciones de arte español y arqueología, así como significativas piezas de arte islámico, colonial y del siglo XIX latinoamericano que, junto a documentos y libros manuscritos, ilustran el espíritu de su fundador. Muchas de las obras que se presentan no se habían hecho públicas hasta ahora o permanecían inéditas, como los relicarios de santa Marta y santa María Magdalena de Juan de Juni, o el grupo de madera policromada, vidrio y metal titulado las Postrimerías del Hombre, atribuido al ecuatoriano Manuel Chili, Caspicara; y otras, se han recuperado recientemente como el extraordinario Mapa de Tequaltiche, que se creía perdido. Sin embargo, y por encima del valor individual de cada obra, la contemplación de este conjunto excepcional contextualiza la magnitud de una riquísima historia de más de tres milenios de cultura hispánica en la Península Ibérica, América y Filipinas, la calidad de una colección que ningún otro museo fuera de España puede igualar, y la pasión de un coleccionista que puso todos sus recursos y conocimientos al servicio de la idea de crear un museo español en América. La extraordinaria selección de pintura incluye obras maestras como Retrato de una niña, Camillo Astalli y Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares de Velázquez, La Piedad del Greco, El hijo pródigo de Murillo, Santa Emerenciana de Zurbarán o la emblemática Duquesa de Alba de Goya, expresamente restaurada para la ocasión en el Museo del Prado con la colaboración de Fundación Iberdrola España. A estas obras se unen otras representativas del modernismo y posimpresionismo español de Zuloaga, Sorolla o Santiago Rusiñol. La selección de esculturas incluye, entre otras, la Efigie de Mencía Enríquez de Toledo del Taller de Gil de Siloé, la terracota de Luisa Roldán, el Matrimonio místico de Santa Catalina, o San Martín, una talla policromada de mediados del siglo XV. La exposición muestra también una importante selección de piezas arqueológicas, entre las que destacan joyas celtibéricas, cuencos campaniformes y un broche de cinturón visigodo. Completa el recorrido una significativa selección de artes decorativas, con piezas de orfebrería renacentista y barroca, cerámica de Manises, Talavera y Alcora, o un delicadísimo Píxide de marfil con monturas de plata dorada. Junto a ellas, curiosas piezas textiles como un Fragmento de la túnica del príncipe Felipe de Castilla y una pieza de seda nazarí. Los imponentes fondos de la Biblioteca de la Hispanic Society se mostrarán mediante un montaje excepcional que permitirá apreciar en todo su esplendor manuscritos tan relevantes como el Privilegio emitido por Alfonso VII rey de Castilla y León, las excepcionales Biblia sacra iuxta versionem vulgate y Biblia hebrea; cartas únicas como las Instrucciones del Emperador Carlos V a su hijo Felipe, la Carta dirigida a Felipe II de Isabel I, reina de Inglaterra o la Carta manuscrita, firmada “Diego de Silva Velazquez” para Damián Gotiens; y destacados ejemplos cartográficos como el Mapamundi portolan, 15 cartas manuscritas iluminadas, de Battista Agnese o el Mapamundi de Juan Vespucci. |-

LÍMITES DE LA IDENTIDAD. HISTORIA.

📍 CentroCentro (Plaza Cibeles 1)

El siglo XX transformó la idea de lo que somos, cómo nos constituimos, o hasta dónde llegan los límites de la identidad. Uno de los aspectos más turbadores de esa identidad en permanente indefinición es el de género. Ser hombre o mujer puede ser una obviedad fisiológica, pero en el ámbito de los paradigmas creativos se convierte en un territorio cargado de peligros. Las mujeres compositoras han encontrado unas dificultades que hoy abochornan; pero la restitución de sus derechos no parece extenderse a su situación en el corpus creador, como si las actuales mujeres creadoras acusaran el lastre de un pasado sin resolver, y como si la resolución de ese pasado precisara de una reevaluación de lo que es crear habiendo sido mujer". Comisario Jorge Fernández Guerra El presente ciclo, agrupado en cuatro sesiones, se articula en otros tantos temas: “Memoria”, “Conflicto”, “Historia” y “Cuerpo”, y presenta como telón de fondo obras de catorce mujeres, desde inicios del siglo XX a nuestros días. Conciertos temáticos, entrelazados con narraciones y textos que interrogan al corpus musical a partir de la incertidumbre de género desde una modernidad en construcción. PROGRAMA 4 de abril – “Historia” Música: Kaija Saariaho: Preludio Raquel Quiaro: Clúster Suite I- Dreams II- Clúster Games III- Amoroso Sofia Gubajdulina: Sonata Geghuni Chitchyan: Armenian Bas-Reliefs 1. Ayrivank 5. Grape Fest Intérprete: Sofya Melikyan, piano 

TERTULIA DE DES-CRECIMIENTO

📍 CENTRO SOCIOCULTURAL “CLARA CAMPOAMOR”

Av. Ciudad de Barcelona, 162. Tel: 91 588 63 48. Horario: de 09.00 h. a 21.00 h., de lunes a viernes.                           2.1 CENTRO SOCIOCULTURAL “CLARA CAMPOAMOR”                           TERTULIA DE DES-CRECIMIENTO                         Coordina: Mariano de Andrés                         4 de abril, a las 19.00 h.  

EL ECO TRASCENDIDO

📍 Centrocentro Cibeles de Cultura y Ciudadanía (Plaza Cibeles, 1 )

Presentación del libro de Carlos Doñamayor " El Eco trascendido" Intervendrán además del autor, Antonio Herrera Casado (escritor y editor) y Carmen Hernández-Pinzón (Sobrina nieta del poeta español Juan Ramón Jiménez)  Presentación del libro de Carlos Doñamayor " El Eco trascendido" Intervendrán además del autor, Antonio Herrera Casado (escritor y editor) y Carmen Hernández-Pinzón (Sobrina nieta del poeta español Juan Ramón Jiménez)  Sala polivalente