Agenda

LA CENICIENTA

📍 Teatros del Canal

LA CENICIENTA Ballet Nacional de Cuba (dirige Alicia Alonso) El gran cuento clásico, renovado por Alicia Alonso Basado en el cuento original de Charles Perrault / Coreografía y libreto: Pedro Consuegra / Música: Johann Strauss (hijo) / Diseños: Armin Heinemann   La Cenicienta es la única música de Johann Strauss compuesta expresamente para un ballet, a pesar de que otras obras suyas han sido usadas frecuentemente, con éxito, en obras coreográficas. El estreno de La Cenicienta, posterior a la muerte del músico, tuvo lugar el 2 de mayo de 1901, en Berlín. También fue presentada en 1908, en la Ópera de la Corte de Viena. A pesar de la popularidad de Strauss, la obra tuvo entonces una existencia escénica muy corta. El coreógrafo cubano Pedro Consuegra presentó por primera vez una versión coreográfica de la obra en 1988, en la Ópera de Marsella. Para el Ballet Nacional de Cuba, Pedro Consuegra revisó sustancialmente esa coreografía y enriqueció tanto los aspectos técnicos como dramáticos. Esta nueva versión fue estrenada en La Habana el 9 de marzo de 1996.   LA CENICIENTA Ballet Nacional de Cuba (dirige Alicia Alonso) Teatros del Canal - Sala Roja   - ( calle Cea Bermúdez, 1 ) FECHA: 23, 24 y 25 de septiembre de 2011 HORARIO: De miércoles a viernes: 20 h. / Sábados: 18:30 y 22 h. / Domingos: 19 h. PRECIOS: Platea (filas 1 a 11): 45 € / Platea (filas 12 a 18): 40 € / Anfiteatro (filas 1 y 2): 35 € / Anfiteatro (filas 3 a 6): 30 € DESCUENTOS: Carné joven y Mayores de 65: 15 % (todos los días, localidades limitadas) / Descuentos grupos (a partir de 30 personas): 10 % de descuento. VENTA LOCALIDADES: Por internet: www.teatroscanal.com   www.entradas.com Por teléfono: 902 488 488 En taquilla: de 14:30 h a 21:00 h (todos los días) En cajeros: Red de cajeros de Caja Madrid

Arnulf Rainer sobre Goya

📍 Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

La muestra, centrada en los trabajos de Rainer sobre Francisco de Goya, estará expuesta en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando hasta el próximo 13 de noviembre. Esta exposición es la primera de un ciclo con grandes artistas contemporáneos que hayan trabajado o trabajen a partir de las obras maestras que forman parte de la colección del Museo de la Academia.   La Fundación Banco Sabadell, junto con la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, presentan un ciclo de exposiciones en las que el motivo principal es el de esclarecer cuáles son los puentes de enlace y de diferenciación existentes entre el arte contemporáneo y el arte del pasado. La búsqueda de las afinidades más evidentes entre la historia y el presente se une la intención de profundizar en las raíces culturales que nutren el legado de los grandes maestros, el ahondar en el trasfondo cultural de la inevitable genealogía del arte actual, para poder avanzar en el futuro retrocediendo, superando toda mimética imitación de un legado irrepetible pero trascendente.   El gran pintor austriaco Arnulf Rainer, al tachar y manipular las obras geniales de Francisco de Goya, tan ligado a la Academia, lleva a cabo un inquisitivo ejercicio que pone de relieve la expresividad más extrema. Rainer, a la manera de un disciplinante que se hiere en su propia carne, muestra la agresividad de un anatematizador que maldice lo que más admira y le inquieta. Sus tachados y sus ocultaciones de las imágenes de Goya son un acto de amor / destrucción, de admiración / repulsa.   Tachar el espacio, tachar la superficie revela un enfrentamiento en este caso de repulsa  ante la pintura. Una acción en la que se nos muestra otros artistas, otras tendencias y estilos pero que Rainer  sólo nos permite reconocer en un abrir y cerrar de ojos, nunca mejor dicho, ya que existe una deliberada intención de ir más allá de la natural visión. De la ordenada contemplación ”Tacho lo que deseo que no se vea….aquello que tacho se hace más llamativo y mi tachadura en lugar de ocultarlo lo destaca”.   Así se enfrenta Rainer, en este caso a uno de sus pintores más admirados: Goya. El mundo del artista aragonés refleja con sus luces y sus sombras situaciones, imágenes y personajes en los que Rainer encuentra  la necesidad de ser nuevamente “atacados” como una reposición incesante de la propia historia del arte. Como dialogo permanente entre la verdad y la mentira, entre lo positivo y negativo. Como dice Valeriano Bozal al final de su texto del catálogo: ”La historia no es luz o sombra, es luz y sombra, un difícil equilibrio que Rainer ha tenido a lo largo de toda su trayectoria.”   El artista: Arnulf Rainer Nace en Baden, Austria en 1929. Miembro de la Reales Academias de las Artes de Berlín y Viena, recibe en 1981 el premio Max Beckman en Frankfurt y en 1989 el International Photography Prize en Nueva York. . Se le han dedicado exposiciones antológicas en instituciones como la Galleria de Arte Moderno de Bolonia, el Stedelijk Museum de Ámsterdam, el Guggenheim de Nueva York, el Georges Pompidou de Paris, o la Nationalgalerie de Berlin. También ha representado a Austria en la Documenta de Kassel y en la Bienal de Venecia.   Arnulf Rainer se inició en la pintura a través del surrealismo. Interesado en el automatismo en seguida empezó a basar su expresividad en el ocultamiento de imágenes de otros artistas, o fotografías suyas. Así toma fragmentos de obras de arte, a menudo religiosas, para cubrirlos luego de capas de pintura y trazos realizados en ocasiones con las manos. sus pinturas denotan la búsqueda de la expresividad máxima, a través de colores, texturas y gestos La utilización de otras imágenes, cubiertas brutalmente de pintura, el uso de las manos y de la cruz como soporte le han convertido en un artista reconocible internacionalmente, y en ocasiones polémico.   Desde la exaltación a la resignación, desde la imagen convencional o fotográfica distorsionada hasta la ausencia de imágenes, cada serie de pinturas de Rainer es diferente pero todas comparten el deseo de destruir la comunicación convencional para recuperar la riqueza de la expresión humana.   En el año 2009 se inaugura el museo Arnulf Rainer en Baden, Viena.   Arnulf Rainer sobre Goya Real Academia de Bellas Artes de San Fernando   Sala de Calcografía Nacional. c/ Alcalá 13, Madrid Desde el Jueves, 22 de Septiembre 2011 - (inaguración a las 19:00 hora) -  hasta el 13 de noviembre Entrada libre hasta completar el aforo

Tartufo

📍 Teatro Fernán Gómez. Centro de Arte

Un clásico teatral, una comedia genial, con la que Molière llegó a granjearse verdaderos y poderosos enemigos, y grandes problemas en la corte de aquellos días. Un juego de enredos y desencuentros que nos permite reflexionar sobre la naturaleza del engaño y del acuerdo entre sus participantes.   El cándido Orgón se ha visto cegado por la falsa devoción de Tartufo y lo ha introducido en su casa. A pesar de tener a toda su familia en contra, este hombre demasiado solo, con demasiada necesidad de creer, obnubilado por el simulado fervor celestial del estafador, avanza paso a paso hacia aquello que todos le desaconsejan y reprueban.   TARTUFO Teatro Fernán Gómez. Centro de Arte  - Sala Guirau - Del 21/09/2011 al 23/10/2011 PRECIO: Entrada general: 18 € Martes: 16 € (día del espectador) Jueves: 15 € (Carné joven, mayores de 65, familia numerosa) Amigos del teatro (todos los días): 15 € Grupos (a partir de 10 personas): 14 € HORARIO: Martes a sábado: 20:30 horas Domingos: 19:30 horas DURACIÓN: 1 hora 30 minutos Dirección de Hernán Gené. Versión de Mauro Armiño COMPAÑÍA: La Zona FICHA ARTÍSTICA Nathalie Seseña: Dorina Roberto San Martín: Valerio/Inspector Cristina Castaño: Elmira-Mariana Hernán Gené: Tartufo Paco Hidalgo: Orgón  

Día de la bicicleta

📍 en la Casa de campo

La Fiesta de la Bicicleta se realizará el domingo 18 de septiembre en la Casa de Campo, a partir de las 9:00h. La fiesta consistirá en una marcha ciclo-turista de 7km y otras actividades complementarias, dirigidas a los más jóvenes, que se realizarán en la zona de salida. Talleres formativos y actividades complementarias: Actividades de roller y skate. Exhibición de trial bicis. Normativa vigente de seguridad vial. Mantenimiento y reglaje de la bicicleta. Reparación y mecánica básica. Prueba de bicicletas con asistencia eléctrica. Prueba de bicicletas plegables y urbanas.   Las inscripciones para poder participar en el Día de la Bicicleta podrán realizarse en las tiendas Decathlon Madrid hasta el sábado 17 de septembre de 2011. Este evento ha sido organizado por colaboradores de Decathlon en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid.

“Y SI YO NO FUERA GATO”

📍 Teatro Fígaro

El AMOR Y LA AMISTAD NO ENTIENDEN DE RAZAS. La historia comienza en un bosque y sus protagonistas son el peligroso gato atigrado, al que nadie se acerca y una joven y bella golondrina, que decide conocer al gato desafiando las leyes del bosque. Simbolizan un choque de cultura, una problemática universal en el espacio y el tiempo.   Una obra de teatro para toda la familia que trae la luz y la alegría de la cultura y del teatro brasileño a los escenarios españoles. “Y si Yo no Fuera Gato” es un espectáculo que fusiona diferentes estilos artísticos como son el teatro, la danza o el circo de una manera sorprendente ayudando a la comprensión del hilo argumental de la historia. La obra tiene una clara visión pedagógica. Nos ofrece una fresca reflexión sobre el conflicto frente a lo diferente, el choque entre razas, etnias o culturas, una problemática universal en el espacio y el tiempo. El miedo a lo diferente y sus consecuencias cuestionan lo establecido, provocando la reacción de la sociedad contra el encuentro natural e inocente entre los distintos estratos sociales. El texto propone al público una visión del conflicto comprensible para todas las edades y con la intención de ser un motor para el debate y la reflexión.   “Y SI YO NO FUERA GATO”, multicultural Familiar Teatro Fígaro (Doctor Cortezo 5) Del 17 de septiembre al 22 de octubre Sábados 17:00 horas Localidades a 12 euros  

La acróbata de la bola, Picasso

📍 Museo Nacional del Prado

En el marco del Año Dual España-Rusia 2011 El Prado exhibe una de las obras más destacadas del período rosa de Picasso procedente del Pushkin de Moscú. La obra no se ha presentado nunca antes en España ni ha salido de Rusia desde 1971.  La acróbata de la bola, se expondrá durante tres meses (16 de septiembre- 18 de diciembre de 2011) en el Prado como parte de su programa ‘La obra invitada’. A través del programa expositivo “La obra invitada”, el Museo del Prado brinda ahora a sus visitantes la excepcional oportunidad de contemplar durante un trimestre completo La acróbata de la bola, una de las obras más sobresalientes del periodo rosa de Picasso, en la que será su primera salida del Museo Pushkin de Moscú en 40 años y su primera exposición en España.   Esta pintura, adquirida por la escritora y coleccionista norteamericana Gertrude Stein, pasó a la galería de Daniel-Henry Kahnweiler, quien en 1913 la vendió al coleccionista ruso Ivan Morozov. Tras la Revolución, la colección Morozov pasó a formar parte de las colecciones estatales distribuyéndose mayoritariamente entre los dos grandes museos públicos rusos: el Pushkin de Moscú, que gracias a esta adscripción ingresó esta obra de Picasso en sus colecciones, entre otras, en 1948; y el Hermitage de San Petersburgo, de cuyas obras procedentes de la importante colección Morozov habrá también significativos ejemplos en la exposición “El Hermitage en el Prado”, que al inaugurarse el próximo mes de noviembre dará lugar al reencuentro temporal en Madrid de estas pinturas con la obra procedente de Moscú. Dada la relevancia de La acróbata de la bola para el Pushkin, para el que en opinión de su directora Irina Antónova “Picasso no es sólo un pintor” para su país “sino un reformador, la figura en torno a la que se concentró ese paso grandioso y dramático, la transición radical que representó la Vanguardia protagonizada en Rusia por figuras tan importantes como Malevich y Kandinsky”, la obra únicamente ha sido prestada por el museo ruso en cuatro ocasiones, siempre con motivo de grandes exposiciones internacionales siendo las más recientes las dedicadas al artista en la Tate Gallery de Londres en 1960 y la gran antológica inaugurada con motivo del 90 aniversario de Picasso en el Museo del Louvre de París en 1971. Sobre la importancia de Picasso para Rusia, destaca también la gran sensación que causó la primera exposición que se le dedicó en este país en 1956, con obras enviadas por el propio Picasso y por el escritor ruso Iliá Erenburg, amigo personal del artista. Para Irina Antónova, esta exposición supuso la definitiva consagración de un artista hasta entonces bastante controvertido para los rusos como un “pintor brillante”. La acróbata de la bola Desde 1904, Picasso visitaba a menudo el Circo Medrano, instalado cerca del estudio que el artista tenía en el Bateau-Lavoir, en Montmartre. La afición al circo se había desarrollado ya entre los pintores impresionistas atraídos por su luz y su movimiento. Sin embargo, la aproximación de Picasso tiene un carácter más universal y profundo. A través de las simbólicas figuras del circo, el pintor realizó una reflexión sobre la vida del artista y la vinculó a su investigación sobre los problemas fundamentales de la pintura. Las dos figuras principales de esta obra revelan los polos del arte de Picasso, la creatividad y la fantasía, por un lado, y la seriedad y el rigor, por otro. La acróbata sobre la bola, presente también en otra pintura importante de ese momento, Los saltimbanquis (The Baltimore Museum of Art, The Cone Collection), muestra el temperamento de juego propio del artista. Su amigo íntimo, el escritor Guillaume Apollinaire, la interpretó en términos de una danza estelar, alusiva a la radiante armonía del cosmos Tras la intensa y melancólica expresividad de su época azul, en esta nueva etapa, desarrollada en París en 1905, Picasso indagó de un modo esencial sobre los aspectos más plásticos de la pintura: el dibujo, conciso y enérgico; la forma, cerrada y perfecta; y el volumen, muy marcado. Su búsqueda se orientó así hacia un rumbo muy distinto al de los jóvenes artistas franceses, fascinados por el colorido violento del fauvisme. El artista malagueño, necesitado por entonces de materiales, reutilizó uno de sus lienzos grandes en el que había pintado un retrato del pintor Francisco Iturrino (1864-1924), del que existe testimonio fotográfico y radiográfico, y que se había expuesto en 1901 en la galería Ambroise Vollard, en París, durante la primera muestra de Picasso, que compartió con el propio Iturrino. La composición de La acróbata de la bola, que estudió en varios dibujos preparatorios, revela un cuidado equilibrio entre la ligereza de la acróbata y el peso del atleta. La esfera y el cubo en los que, respectivamente, se apoyan, realzan aquellas cualidades y el consiguiente contraste entre ambas figuras. Por otra parte, son sólidos geométricos asociados desde antiguo, en la tradición platónica, a las características de perfección y estabilidad. Además, la muchacha aparece pintada casi en dos dimensiones, lo que resalta su ingravidez frente al volumen, modelado por las gradaciones de luz y sombra, del hombre. El color, con calidades de pintura mural en una gama restringida de rosas y ocres, y el depurado paisaje del fondo, que se ha relacionado con los de la infancia malagueña del artista, contribuyen de modo decisivo a la esencialidad de la obra. El Museo Pushkin El Museo Pushkin de Moscú, situado en el centro de la ciudad, posee una de las colecciones dedicadas al arte europeo más importantes de Rusia, tan solo superada por el Hermitage de San Petersburgo. Alberga en sus fondos más de 500.000 piezas entre las que se encuentran obras desde la Antigüedad hasta los primeros años del siglo XX. Fundado con fines educativos por el profesor universitario y filólogo Ivan Vladimirovich, se inauguró en 1912 como Museo de Bellas Artes con el nombre del Emperador Alejandro III. Tras la Revolución Rusa pasó a denominarse Museo Estatal de Bellas Artes y durante el período de 1924 a 1930 se produjo el mayor crecimiento de sus fondos debido a la nacionalización de obras de arte procedentes de coleccionistas particulares y la aportación de antiguas colecciones de San Petersburgo, especialmente del Hermitage. La institución, que recibió su nombre actual en 1937, alberga momias egipcias, cerámicas y esculturas griegas, y pintura europea, colección en la que destacan autores como Bronzino, Botticelli, Rembrandt, Poussin o Canaletto y cuyo repertorio de pintura de finales del siglo XIX y comienzos del XX ha dado renombre mundial a este Museo con obras de Monet, Renoir, Degas, Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Matisse, Picasso y Kandinsky.   La obra invitada: La acróbata de la bola, Picasso (Museo Pushkin de Moscú) Museo Nacional del Prado Sala 60 16 de septiembre - 18 de diciembre de 2011 Comisario: Javier Barón, jefe de Departamento de Pintura del siglo XIX Con el patrocinio de: Fundación de Amigos del Museo del Prado   Imagen: La acróbata de la bola Picasso Óleo sobre lienzo. 147 x 95 cm 1905 ©The State Pushkin Museum of Fine Arts, Moscow. ©Sucesión Pablo Picasso. VEGAP. Madrid, 2011.

'Blog 11. Emancipación'

📍 Sala de Arte Joven

La muestra se podrá ver desde el 15 de septiembre hasta el 29 de octubre en la Sala de Arte Joven de la Comunidad, de lunes a sábados, en horario de 11 a 14 horas, y de 18 a 21 horas. Bajo el título 'Blog', la Sala de Arte Joven viene presentando este proyecto expositivo anual.   La Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid arranca la temporada expositiva 2011-2012 con la muestra 'Blog 11. Emancipación', que ofrece la visión artística de 17 estudiantes sobre la emancipación. Con esta nueva edición de 'Blog'se pretende promocionar y apoyar las creaciones de jóvenes artistas que comienzan su carrera profesional en el mundo del arte. En este caso, se trata de alumnos que acaban de concluir el último curso de la Facultad de Artes y Comunicación de la Universidad Europea de Madrid: Elena Águila, García de Artacho, Juan de la Cruz, Mío García, Federico Guardabrazo, Rebeca Hourdaki, Miguel Ángel Liquiñano, Verónica López Santamaría, Alina O'Donnell, Marta Peleteiro, Clara Puente, Fee Reega, Luis Romero, Carlos Sagrera, Leonor Serrano Rivas, Pilar Valera Martínez y Macarena Vereda. Todos ellos realizan una síntesis de los conocimientos adquiridos, una vez completada su formación artística, e incluso participan en el comisariado de la muestra, ya que han construido conceptualmente la exposición. 'Blog 11. Emancipación' recoge grandes piezas de hormigón, vídeos, dibujos escolares retocados con posterioridad, cartografías y montajes de pinturas y fotografías. La Sala de Arte Joven, fue inaugurada en el año 1990 con el nombre de Centro de Recursos Culturales y, posteriormente, Centro de Arte Joven. En 2009 ha pasado ha ser gestionada por la Dirección General de Archivos Museos y Bibliotecas de la Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía de Gobierno de la Comunidad de Madrid.   BLOG 11. EMANCIPACIÓN SALA DE ARTE JOVEN ( Avda. de América 13 ) 15 de septiembre – 29 de octubre 2011 De lunes a sábados, en horario de 11 a 14 horas, y de 18 a 21 horas. Organiza: Universidad Europea de Madrid. Facultad de Artes y Comunicación. Colabora: Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid.  

"Volar, pararse... sentir"

📍 Casa de Vacas

"Volar, pararse... sentir" es el sugerente título de la nueva exposición que desembarca en la Casa de Vacas. Y es que cada pintura de Paloma Hinojosa es precisamente eso, una invitación al vuelo, a la pausa, al sentimiento. La primera teniente de alcalde y delegada de Medio Ambiente y Movilidad del Ayuntamiento de Madrid, Ana Botella, y el concejal del distrito de Retiro, Ángel Garrido, han inaugurado la muestra de la pintora neo-impresionista. Después de pasear dentro y fuera de España sus creaciones de tintes fauvistas, ahora regresa a Madrid con los sellos de Estados Unidos y Francia en su ‘pasaporte' artístico.   "Volar, pararse... sentir" La muestra se puede visitar en la Casa de Vacas hasta finales de septiembre Casa de Vacas   ( Parque del Retiro   -   Paseo Colombia s/n )  

MATTA: El cubo abierto

📍 Museo Thyssen-Bornemisza

Coincidiendo con la celebración en 2011 del centenario del nacimiento del artista chileno Matta, el Museo Thyssen-Bornemisza propone una nueva  instalación del ciclo L’Honni aveuglant (El proscrito deslumbrante), formado por cinco obras que pertenecen a su colección permanente. El montaje reproducirá exactamente el modo en que el artista lo presentó por primera vez en la Galerie Alexandre Iolas de París, en 1966. Junto a ellas, se expondrá también otra pintura de Matta de la colección permanente del Museo: Sin título, 1942-1943.   Un gran lienzo de fondo, Grandes expectativas; dos en los laterales, El proscrito deslumbrante y El dónde en marea alta; y otros dos colgados del techo, Donde mora la locura A y Donde mora la locura B; dan lugar a lo que Matta denominó “cubo abierto”. Un montaje excepcional y espectacular con el que el artista pretendía sumergir al público en su universo pictórico, cargado de referencias literarias, espirituales y artísticas. En lugar de situar al espectador frente a la obra de arte como ante una ventana, Matta lo introduce en ella, colocándolo en el centro del cubo como si fuera una de sus seis caras y haciendo, en definitiva, que se sienta poseído por el cuadro. Matta (Santiago de Chile, 1911 – Civitavecchia, 2002) siempre tuvo a lo largo de su vida un gran interés por el estudio de las dimensiones y su representación, de tal manera que la investigación espacial fue una de las preocupaciones centrales de su pensamiento artístico. Por ello, el “cubo abierto” es para Matta la obra de arte total, que rodea al espectador y lo convierte en su protagonista. La instalación de las obras se hará en el Balcón-Mirador de la primera planta del Museo, con acceso directo desde el hall central y entrada gratuita. Coincidiendo con el horario de verano, hasta el 25 de septiembre, la muestra permanecerá abierta hasta las 11 de la noche de martes a sábado, y podrá verse también los lunes 12 y 19 de septiembre, días en los que el Museo abrirá sus puertas de forma excepcional, de 10 de la mañana a 7 de la tarde. Los domingos, el horario también será de 10 a 7. Los sábados de octubre la muestra permanecerá abierta hasta las 11 de la noche y tendrá lugar en el salón de actos del Museo un ciclo de cine chileno, en el que se proyectarán las películas El húsar de la muerte (1925), de Pedro Sienna; B-Happy (2007), de Gonzalo Justiniano; y El Brindis (2007), de Shai Agosin.  Las proyecciones serán a las 19 horas con acceso libre hasta completar el aforo.   MATTA: El cubo abierto. Nueva instalación de la Colección Permanente Del 9 de septiembre al 23 de octubre Acceso gratuito Comisaria: Marta Ruíz del Árbol, Área de Pintura Moderna del Museo Thyssen-Bornemisza Número de obras: 6 Horario: Hasta el 25 de septiembre de martes a sábado de 10.00 a 23.00; lunes y domingos de 10.00 a 19.00. A partir del 25 de septiembre de martes a domingo de 10.00 a 19.00; sábados hasta las 11.00. Lugar: Museo Thyssen-Bornemisza, Paseo del Prado, 8. Madrid. Sala de exposiciones Contexto (balcón-mirador, primera planta, con acceso directo desde el hall central)  

José Manuel Ballester: La Abstracción en la Realidad

📍 Sala Alcalá 31

Sala Alcalá, 31. Del 8 de septiembre al 20 de noviembre. La exposición La Abstracción en la Realidad, se realiza con motivo de la concesión a José Manuel Ballester del Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid, en su edición de 2008. Está compuesta por medio centenar de fotografías de diverso formato, en su mayoría inéditas y un audiovisual, que permiten el diálogo entre el trabajo del artista y el espacio que las aloja. Se utiliza para ello las dos plantas de las que dispone la Sala Alcalá 31. Este proyecto pone al visitante en contacto con las creaciones más recientes del artista. Más concretamente, están representados en la exposición los últimos cinco años de trabajo fotográfico de José Manuel Ballester. Como hilo conductor, la muestra trata conceptos fundamentales en su obra artística, como son el espacio, la luz y el tiempo. Comisariada por Lorena Martínez de Corral, pone en diálogo las obras con el propio espacio de exposición, en el que se muestra una interpretación muy personal de los lugares que aparecen fotografiados, mostrando la visión más íntima que posee el artista sobre la arquitectura. Vistas elegidas, con magistral precisión, de Museos y otros edificios con tintes pictóricos y un evidente dominio de la técnica fotográfica, representan el trabajo de este artista desde 1999 hasta hoy. La mayoría de la obra expuesta es, además, inédita, hecho que hace de esta exposición una visita imprescindible para los admiradores del Premio Nacional de Fotografía (2010) y del Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid (2008). José Manuel Ballester (Madrid, 1960) se licenció en Bellas Artes en 1984 por la Universidad Complutense de Madrid. Su carrera artística se inicia en la pintura, interesado por la técnica de las escuelas italiana y flamenca de los siglos XV y XVIII. A partir de 1990, Ballester se centra en la fotografía arquitectónica, interesándose tanto por el interior como el exterior de conocidos edificios en España y fuera de ella. En 2010 fue galardonado con el Premio Nacional de Fotografía concedido por el Ministerio de Cultura.   José Manuel Ballester: La Abstracción en la Realidad Del 8 de septiembre al 20 de noviembre Sala Alcalá 31 C/ Alcalá, 31 Horario: De martes a sábados: De 11:00 h. a 20:30 h. Domingos, 9 septiembre, 12 octubre, 1 y 9 noviembre: De 11:00 h. a 14:00 h. Cerrado los lunes Visitas guiadas gratuitas: Miércoles: 12:00 h. (El miércoles 12 de octubre no se llevará a cabo la visita guiada) Sábados: 12:00 h. y 13:00 h. / 18:00 h. y 19:00 h. Domingos: 12:00 h. y 13:00 h. Entrada gratuita

Ojos verdes. Miguel de Molina in memoriam

📍 Teatro Fernán Gómez. Centro de Arte

Un musical para los sentidos, la conciencia y la emoción Un viaje musical por la crónica de España a partir de la biografía de Miguel de Molina. Aquel que en su día dio a conocer canciones tan memorables como La bien pagá, Ojos verdes, o El día que nací yo ..., y que tuvo que pagar un precio muy alto por exigirse a si mismo vivir con autenticidad. Ojos Verdes , reivindica la canción popular española como parte de nuestra esencia. Es un viaje por la copla, la fiesta gitana, el cafetín árabe, Lorca, el sentío, el coraje, el duende, el quejío, la guerra, la libertad, el hambre, los artistas, los exiliados, los rojos, los nacionales, la radio, ... es un grito contra la ignorancia y el rechazo sistemático. A partir de recursos que van más allá del teatro musical -cine y documental-, se traza una entretenida y sentimental ronda de noche por los marginales tugurios a los que Miguel de Molina dedicaba su voz y gestualidad. Ojos verdes enlaza los diiferentes episodios de la vida del artista- algunos de dramatismo extremo- con las canciones que le hicieron famo   Ojos verdes. Miguel de Molina in memoriam Del 08/09/2011 al 02/10/2011 Teatro Fernán Gómez. Centro de Arte -  Sala Dos DURACIÓN: 1 hora 40 minutos PRECIO: Entrada general: 16 € Martes (día del espectador) - 13 € Jueves (Carné joven, mayores de 65, familia numerosa): 14 € Amigos del teatro (todos los días): 13 € Grupos (a partir de 10 personas) 12 € HORARIO: Martes a sábado: 20:00 horas Domingos: 19:00 horas Función Golfa de Le llaman copla, a propósito de Ojos Verdes . (viernes): 22:30 horas   Ficha Artística: Actores: Marc Vilavella, Gracia Fernández / Elia Corral, Nacho Melús, Anaïs López Piano: Gerard Alonso Guitarra y oboe: Marc Sambola Dirección musical: Marc Sambola Dramaturgia y dirección: Marc Vilavella    

El Pisito

📍 Teatros del Canal

Los Teatros del Canal acogen el cierre de la gira de El pisito de Pedro Olea. Unidos por el amor y la vivienda Rodolfo y Petrita son una de tantas parejas de novios que en el Madrid de los años cincuenta, y después de 15 años de noviazgo, no pueden casarse porque su precaria economía no alcanza para comprar ni alquilar un piso. Rodolfo pide ayuda al jefe de su oficina y la única barbaridad que se le ocurre es que se case con la patrona de su pensión, una anciana de 87 años, y así cuando ella muera, heredará el piso y ya viudo se podrá volver a casar, pero esta vez, ya con su Petrita. Los tiempos en el día de hoy han cambiado: cuando una pareja de enamorados quieren tener su propio pisito no es necesario que se case él con una anciana y esperar cuatro o cinco años. Hoy este problema está solucionado casándose con un banco por 30 años… o más. Rafael Azcona, de cuyo fallecimiento se cumplen ahora tres años, reflejó en uno de sus grandes éxitos cinematográficos la mayor actualidad del siglo XXI: las dificultades que tienen las parejas para encontrar un piso. Medio siglo después de que Azcona publicara la novela, los problemas siguen siendo los mismos. En la gran pantalla, Mary Carrillo y José Luis López Vázquez dieron vida a los personajes que en este montaje interpretan Tete Delgado y Pepe Viyuela, respectivamente. Este reparto de El Pisito está encabezado también por Asunción Balaguer, en el papel de Doña Martina, y lo completan Jose María Alvarez, Manuel, Jorge Merino, María Felices y Rafael Nuñez, además de la participación especial de Juan Luis Galiardo y Juanjo Seoane, con voces en off. Rodolfo y Petrita forman una pareja de novios que en el Madrid de los años cincuenta, y después de quince años de noviazgo, no pueden casarse porque su precaria economía no alcanza para comprar ni alquilar un piso. Rodolfo pide ayuda al jefe de su oficina y la única idea que se le ocurre es que se case con la patrona de su pensión, una anciana de 87 años, y así cuando ella muera heredará el piso y, ya viudo, se pueda volver a casar con Petrita. Autor: Rafael Azcona / Versión teatral: Juanjo Seoane y Bernardo Sánchez / Dirección: Pedro Olea / Actores: José María Álvarez, Manuel Millán, Pepe Viyuela, Teté Delgado, Asunción Balaguer. EL PISITO Del 1 al 25 de septiembre 2011 Teatros del Canal - (Sala Verde) HORARIO: De martes a sábado, 20.30 h. / Domingos: 19.30 h. / Duración: 1,45 h. PRECIOS: Platea: 22 € / Balconada 1ª planta: 16 € / Balconada 2ª planta (Visibilidad reducida): 12 € / Precios martes día del espectador: Platea: 18 € / Balconada 1ª planta: 12 € / Balconada 2ª planta (Visibilidad reducida): 10 € DESCUENTOS: Carné joven y Mayores de 65: 25 % (excepto el martes día del espectador) / Grupos a partir de 20 personas (cada 20 personas 1 invitación) (todos los días, cupo limitado): Platea: 18 € /Balconada 1ª planta: 12 € VENTA LOCALIDADES: Por internet: www.teatroscanal.com www.entradas.com Por teléfono: 902 488 488 En taquilla: de 14:30 h a 21:00 h (todos los días) En cajeros: Red de cajeros de Caja Madrid