Agenda

LA CARRERA PARA TODOS

📍 Madrid

La revista Corricolari – AireLibre organiza la XXXI Medio Maratón Ciudad Universitaria, para la que convoca a maratonianos, debutantes, mujeres, hombres, liebres, aficionados, jóvenes, mediofondistas, iniciados, corredores, marchadores, corredoras, acompañantes, universitarios, andarines, profesores... a la CARRERA PARA TODOS, a correr, competir, acompañar, avanzar, terminar, soñar, conseguir, empezar, conocer, alegrarse, alcanzar, participar, aceptar, entrenar, disfrutar, inspirar, triunfar...     En la CARRERA PARA TODOS hay una meta y una distancia a cada medida. Una salida, tres distancias a elegir: 7, 14 y 21 km. La celebración será el día 13 de marzo. La salida a las 9.30 desde la Glorieta del Cardenal Cisneros de Madrid y la meta estará en la Pista de atletismo del Complejo Sur de Madrid (Metro: Moncloa y Ciudad Universitaria)   Las inscripciones pueden realizarse: -  revista corricolari: Pº Marqués de Monistrol, 7 3º, telf.: 915268080 de lunes a viernes en horario: de 9 a 18 horas. -  En tiendas: (hasta el día 26 de febrero) Bikila Avda. Donostiarra 2. Madrid Bikila Martín de los Heros 65. Madrid Bikila Fray Luis de León, 9. Leganés Dean Sport Pª Alameda, 23. Alcalá de Henares. Deportes Moya Avda. Mediterráneo, 26 Madrid. Laister Cuesta S. Vicente 24. Madrid Marathinez Herminio Puertas 3. Madrid Ranning Pº Extremadura, 157. Madrid Ross Running Avda. España, 51. Majadahonda Running Company Pº Infanta Isabel 21. Madrid  

Bésame mucho

📍 Teatros del Canal - Sala Roja

Bésame mucho, el musical de las pasiones es un espectáculo musical que narra una historia de amor correspondida que podría ocurrir en cualquier lugar del mundo, en la que incurren desatinos familiares, amores y desamores, atrapados por situaciones y circunstancias que se interponen para desembocar en un vibrante desenlace. El musical explora de forma frenética las alegrías, los desengaños y los sueños de los jóvenes de hoy en un bullicioso barrio de La Habana. La música en directo, arriesgadas y sensuales coreografías con ritmos latinos contemporáneos, en las voces de talentosos cantantes y actores, otorgan al espectáculo una intensidad trepidante. Esta variedad de ritmos y sonoridades nos dan todos los ingredientes para que este musical nos conquiste, atrape y enamore. 30 artistas entre cantantes, actores, bailarines y músicos en un seductor espectáculo musical de 2 horas que sin duda encenderá las emociones, la alegría y la tristeza, el ritmo y el entusiasmo de principio a fin.   La trama Una intensa historia de amor para experimentar emociones y sentirse cómplice por completo de la trama. Eduardo y Camila son dos jóvenes enamorados residentes en un bullicioso barrio de La Habana. Él, mecánico de profesión, y ella, recién graduada en la universidad, viven felices entregados al amor más intenso y puro hasta que Eduardo le pide a Camila que se case con él.  Ella, inicialmente acepta, pero debe recular presionada por su familia, a quien no le agrada la condición social de Eduardo y que decide enviarla a estudiar un post-grado en Madrid. Camila inicialmente ve en este viaje una oportunidad de crecimiento personal, tratando de convencer a Eduardo de que la espera de tres años se hará corta. Él debe aceptar con enfado su partida, pero al  pasar los meses desespera al no recibir noticias de ella debido a que su familia censura las misivas de amor. María, una antigua pretendiente de Eduardo, ve en ese momento la oportunidad tan deseada del distanciamiento de la pareja para seducirle, quien, ante la soledad y falta de noticias, encuentra consuelo en María. Sin embargo, a los pocos meses Camila regresará a La Habana de vacaciones y se encontrará con Eduardo que, molesto por la falta de noticias, le recrimina su falta de sinceridad, momento en que se aclara el entuerto que produjo la imposibilidad  de comunicarse. Llegado a ese punto, Eduardo y Camila celebrarán su amor que triunfará por  encima de barreras sociales o coyunturales, e iniciarán una nueva vida juntos y felices en su alegre barrio de La Habana. Los temas del musical: I acto Perfidia [Mambo Funky] Sabor a Mi [Balada Pop] Quizás, Quizás [Samba] Toda una Vida [Rumba] Que sabes tú [Balada Pop] Cielito Lindo [Bolero] Ay de mi [Bachata] Se me va la vida [Salsa Flamenca] Cantándole a la vida [Conga] Solamente una vez [Bolero] Contigo aprendí [Balada Pop] Camila [Instrumental solo de Trompeta] Amarte [Bachata]   II acto El Barrio [Salsa] Cuéntame [Guaracha] Si nos dejan [Rap] Analiza y piensa [Salsa] Piel Canela [Funky Cha ] Contigo en la distancia [Balada Pop] Te quiero [Balada Pop] Estoy arrepentida [Bachata] Lo que está pa ti [Salsa] Bésame mucho [Latin Pop ]   Música incidental: Ernesto Cisneros Banda Sonora: Peter Krick     Bésame mucho, el musical de las pasiones en los Teatros del Canal Fecha: del 9 de marzo al 3 de abril Lugar: Sala Roja Horario:                Miercoles y jueves a las 20h                Viernes y sábados a las 19 y 22h                Domingos a las 18h Duración: 2 horas con intermedio Precios de localidades: Butaca de platea 35€ Butaca de anfiteatro 25€ Descuentos: Carné Joven y mayores de 65 años: 25% de todos los días, localidades limitadas y solo aplicables al comprar en taquilla. Grupos a partir de 20 personas, 25% Venta de entradas: www.entradas.com 902 488 488 de lunes a domingo de 10 a 23h. Red de cajeros de Caja Madrid Horario de las taquillas de los Teatros del Canal: De lunes a domingo de 14.30 a 21h. Teléfono de información y reservas de grupos 91 308 99 99

Un mundo flotante. Fotografias de Jacques Henri Lartigue (1894-1986)

📍 CaixaForum

Jacques Henri Lartigue (1894-1986) se ha convertido en uno de los referentes visuales del siglo XX. Sus imágenes reflejan la rápida transformación de las costumbres, el estallido de novedades, la vibración del mundo, y a la vez la búsqueda de pequeñas cosas, del instante perdurable y atemporal.      Hasta el año 1963, cuando el MOMA presentó su primera exposición ontológica. Lartigue era un fotógrafo casi desconocido. Pero la extraordinaria fuerza de sugestión de sus imágenes ha hecho que desde aquel momento su prestigio no haya parado de crecer. Lartigue capturó la vida que le rodeaba, la exaltación de la felicidad y el gozo de vivir, y lo hizo con unas ideas estéticas que proponían una renovación del lenguaje fotográfico. La exposición recoge alrededor de 230 imágenes representativas de las distintas etapas y temáticas que abordó a lo largo de su vida, todas ellas procedentes de la Donation Jacques Henri Lartigue de París, la entidad encargada de velar por la conservación y divulgación de la donación que el fotógrafo hizo en el año 1979 al Estado francés.       Lunes y miércoles – 19.00 h Martes y jueves – 13.00 h Sábados – 12.00 y 19.00 h Los días festivos no se realizarán visitas. Inscripción en recepción media hora antes del inicio de las visitas. A c i v i d a d e s     r e l a c i o n a d a s : Actividades para personas mayores :  Los miércoles a las 17.00 h Café-tertulia con las artes ofrece la oportunidad de disfrutar de las exposiciones de una forma diferente. Una Actividad de dos horas para visitar tranquila, para profundizar en la que más nos interese. Después, podremos compartir nuestras impresiones en una tertulia, tomando café.

Chardin 1699 - 1779

📍 Museo Nacional del Prado

El Museo del Prado presenta la exposición “Chardin”, una muestra antológica dedicada a Jean Siméon Chardin (1699-1779), uno de los más relevantes exponentes de la pintura francesa del siglo XVIII del que únicamente se conservan tres pinturas en una colección española (Museo Thyssen). Tras su paso por el Palazzo dei Diamante de Ferrara, la exposición llega a Madrid gracias al patrocinio de la Fundación AXA que, como ya ocurriera con Turner, posibilita nuevamente la celebración de una importante exposición consagrada a un pintor al que nunca se le había dedicado una muestra en España. La exposición se compone de 57 obras de este gran maestro del bodegón y de la pintura de género, entre las que se incluyen algunas novedades respecto a las presentadas en la sede italiana.   Tras la presentación en San Petersburgo de la exposición “El Prado en el Hermitage” el pasado viernes, el Museo ha presentado hoy “Chardin (1699-1779)”, primera muestra del programa de exposiciones que celebrará este año en su sede. Con esta exposición, que será inaugurada oficialmente esta misma tarde por S.A.R. el Príncipe de Asturias y la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, y que cuenta con el patrocinio de la Fundación AXA, el Prado ofrecerá al público la extraordinaria oportunidad de contemplar reunidas en España más de cincuenta pinturas del gran maestro francés presentadas en un ambicioso recorrido por su trayectoria. Tras las exposiciones dedicadas a Chardin en 1979 y 1999 con motivo del bicentenario de su muerte y del tricentenario de su nacimiento, no se había vuelto a revisar la relativamente escasa producción -algo más de doscientas obras- de este admirado y original pintor. Con 57 obras, la muestra constituye una oportunidad única para dar a conocer su obra por primera vez en España, país en el que –como ya se ha dichonunca antes se le había dedicado una muestra y dónde, por esta razón, unida a lo escaso de su producción conservado en territorio español (únicamente tres obras), el pintor  es prácticamente desconocido para el gran público a pesar de su indiscutible virtuosismo pictórico y originalidad. El recorrido de la exposición sigue un orden cronológico atravesando los aspectos más destacados desde los inicios de la vida artística de Chardin, en la segunda década del siglo XVIII, hasta los pasteles de los años setenta. El visitante se encontrará con muchas de sus más famosas creaciones junto a cuadros poco conocidos por tratarse de obras albergadas en colecciones particulares e incluso algunas identificadas recientemente. Además, en el Prado pueden contemplarse 16 obras que no se han incluido en la presentación italiana de la muestra, entre las que cabe destacar La raya, una de sus pinturas más importantes, procedente del Musée du Louvre; Los atributos de las artes, del  Musée Jacquemart-André de París, cuadro de grandes dimensiones de tema alegórico que se ha  prestado por primera vez a una exposición; o las tres versiones de La joven maestra de escuela (National Gallery de Londres, National Gallery of Art, Washington, y National Gallery of Ireland, Dublín) que se reúnen en primicia para su presentación en la sede española. El recorrido empieza con las naturalezas muertas y bodegones de la segunda mitad de los años 20, entre los que figura la célebre pintura La raya procedente del Louvre. Con esta obra ingresó en la Real  Academia de Pintura y Escultura pero fue admitido dentro de una categoría menor, la de “Pintor de animales y frutas”. Es entonces cuando amplía su campo de intereses e introduce animales vivos en sus composiciones como reflejan dos de los lienzos del Museo Thyssen que se exponen en esta primera parte de la muestra, Gato con trozo de salmón, dos caballas, mano y mortero y Gato con raya, ostras, jarro y hogaza de pan. La siguiente sección comienza con los bodegones de los años 30 entre los que figuran Un pato de cuello verde atado al muro y una naranja amarga o Naturaleza muerta con una jarra de loza y dos arenques. Seguidamente y de la misma década, se presentan tres versiones de la célebre serie  Pompas de jabón. Chardin no abandona jamás un género para dedicarse exclusivamente a otro, sabe renovarse, pero le gusta volver atrás a menudo y trabajar continuamente a varias bandas. Es también a  partir de los años treinta, cuando influido por la pintura holandesa del siglo anterior, aborda las escenas de género. Chardin capta el recogimiento de sus personajes y demuestra una grandísima habilidad para otorgar una serena dignidad a las simples tareas domésticas. Es evidente su evolución  estilística en estas obras. Su pincelada se vuelve más vaporosa y las tonalidades suaves anuncian las de los pasteles del final de su carrera. Asimismo, deja de escoger a sus modelos entre el pueblo para  centrarse en el entorno burgués de su segunda esposa. Con obras como La joven maestra de  escuela, de la que se presentan tres versiones que se reúnen por primera vez, El niño de la peonza o La niña con el volante, Chardin alcanzaría auténtica popularidad en la segunda mitad del siglo XIX. A continuación, la exposición documenta los años 50 y 60 y su regreso a las naturalezas muertas, un género que había abandonado casi totalmente. Éstas se distinguen  claramente de las de los años 20 por la multiplicación de las especies de animales de caza, variedad de frutas y de objetos (porcelanas valiosas o cristalería sofisticada) que utiliza. De esta época, se incluyen en la exposición la deliciosa La cesta de fresas salvajes, Vaso de agua y cafetera y Ramo de claveles, tuberosas y guisantes de olor en  un jarrón, obra maestra de la National Gallery of Scotland. En estas obras la ejecución es más ágil,  más lisa, y demuestran el interés de Chardin por los reflejos y las transparencias, la luz y las sombras. La exposición finaliza con dos retratos en pastel, medio al que se ve obligado a optar por motivos de salud, abandonando la pintura al óleo, y con el que sorprende a todos en el Salón de 1771. Con estos pasteles queda patente su seguridad como artista y ponen punto final a su carrera. La colaboración y generosidad de un número extraordinario de grandes instituciones americanas y europeas -destacando la contribución del Musée du Louvre con el préstamo de 11 obras- y coleccionistas privados han permitido cumplir el difícil objetivo de reunir algunos de los más famosos lienzos del artista que se pueden contemplar. Un artista único “Uno se sirve de los colores, pero se pinta con el sentimiento”. Así describe el propio Chardin su forma  de hacer pintura, creando obras muy distintas de las de los grandes pintores franceses de su siglo como Watteau, Boucher, Fragonard o David. El propio artista recuerda así su manera de concentrarse delante de los objetos que pintaba en sus bodegones: “Es necesario que me olvide de todo lo que he visto e incluso de la forma en la que otros han tratado estos motivos”. Según palabras del comisario de la exposición, Pierre Rosenberg, director honorario del Musée del Louvre y el máximo especialista en Chardin: “Si tuviera que definir en una sola palabra sus naturalezas  muertas, lo haría con la palabra `silencio´”. Y es precisamente ese silencio que emana de sus naturalezas muertas lo que le diferencia de la mayoría de los especialistas en este género, género considerado hasta entonces menor y cuyo reconocimiento en la centuria que vivió el pintor, benefició el auge de su personalísimo estilo. Disfrutó de éxito y reconocimiento en vida y posteriormente Cézanne, Matisse, Picasso, Morandi y  Lucien Freud lo consideraron su maestro. Chardin 1699 - 1779 Horario : De martes a domingo de 9:00 a 20:00 horas (último pase de acceso a las 19:00h) Acceso: El acceso a esta exposición se realizará por la puerta de Jerónimos. Salas A y B del edificio Jerónimos Tarifas de acceso exposición temporal Esta entrada permitirá el acceso también a otras exposiciones temporales coincidentes con el calendario de apertura de “Chardin”. Tarifa general: 10 euros Tarifa reducida: 5 euros Aplicable a ciudadanos de la UE mayores de 65 años, pensionistas mayores de 60 años, estudiantes de la UE menores de 25 años, miembros de entidades: APEME, ANABAD, AEM e ICOM, ciudadanos de la UE miembros de familias numerosas, estudiantes de países no miembros de la UE menores de 25 años y titulares del carné joven, siempre que acrediten documentalmente su condición. Tarifa gratuita: Aplicable a menores de 18 años, personas con discapacidad o incapacidad permanente (y un acompañante, cuando sea necesario para realizar la visita), ciudadanos de la UE en situación legal de desempleo, grupos familiares integrados por al menos 1 adulto y 3 descendientes incluidos en el mismo título de familia numerosa, miembros de la Fundación de Amigos del Museo del Prado, profesores en el ejercicio de sus funciones, guías oficiales de turismo y periodistas, siempre que acrediten documentalmente su condición. Tarifas de acceso combinado (exposición temporal y colección permanente) Esta entrada permitirá el acceso a las exposiciones temporales y a la colección permanente Tarifa general: 12 euros Tarifa reducida: 6 euros Aplicable a ciudadanos de la UE miembros de familias numerosas, estudiantes de países no miembros de la UE menores de 25 años y titulares del carné joven, siempre que acrediten documentalmente su condición. Tarifa gratuita: Aplicable a menores de 18 años, personas con discapacidad o incapacidad permanente (y un acompañante, cuando sea necesario para realizar la visita), ciudadanos de la UE en situación legal de desempleo, grupos familiares integrados por al menos 1 adulto y 3 descendientes incluidos en el mismo título de familia numerosa, miembros de la Fundación de Amigos del Museo del Prado, profesores en el ejercicio de sus funciones, guías oficiales de turismo y periodistas, siempre que acrediten documentalmente su condición.                      __________________________________________________________ EL PRADO JOVEN Los jóvenes de 15 a 25 años tendrán la oportunidad de visitar la exposición, gratuitamente y en exclusiva, el último viernes de los meses de marzo, abril y mayo de 20.30 h. a 22.30 h. Durante su visita, contarán con la colaboración de jóvenes licenciados en Historia del Arte a quienes podrán consultarles sobre los contenidos de la muestra. Acceso: Puerta de los Jerónimos Viernes, 25 de marzo, 29 de abril y 27 de mayo de 20.30 a 22.30 h. Entrada por la Puerta de los Jerónimos EL PRADO PARA TODOS Este programa trata de integrar y favorecer el acceso a la cultura a públicos que tienen algún tipo de discapacidad física, sensorial, intelectual y/o enfermedades neurodegenerativas. Foto: Dama tomando el té Óleo sobre lienzo, 81 x 99 cm 1735 Glasgow, Hunterian Art Gallery, University of Glasgow

La Bicharanga

📍 Nuevo Teatro Alcalá S2

 BICHARANGA: Compañía de titiriteros, saltinbanquis, músicos y mamarrachos ambulantes que recorren teatros y plazas representando LA BICHARANGA, que es un grupo de bichitos aspirantes a músicos, con dotes de Burro, Perro, Gallina y Gata que van en busca de la fama a la gran ciudad ...   LA BICHARANGA, un musical para niños de 2 a 82 años, basado en el cuento de los hermanos Grimn "Los cuatro músicos de Bremen". Premio al mejor musical teatral dirigido al público familiar. Premio de crítica y público. Convocada a los Premios Max de Teatro. Ribalta adapta a nuestros días uno los mejores cuentos clásicos, dándole una estética barroca merecedora de representarse en los mejores teatros. Un viaje hacia un lugar soñado, un viaje hacia la libertad ..., así es como se encuentran nuestro cuatro amigos. Todos tienen algo en común: huyen de la opresión de sus dueños para buscar un lugar mejor…     Horarios: Sábados a las 17:00 horas y Domingos a las 12:30 horas Localidades: a 12 euros Nuevo Teatro Alcalá S2 C /Jorge Juan, 62 (esq. Alcalá) - Madrid

Cibeles Madrid Fashion Week

📍 IFEMA. Feria de Madrid

Las propuestas otoño-invierno del año. Dos veces al año, Madrid se convierte en una gran pasarela por la que desfilan las creaciones más codiciadas de diseñadores de moda punteros y visionarios de todo el mundo. Futuros objetos de deseo en forma de prendas invernales.   Adolfo Domínguez, Victorio & Lucchino, Duyos, Davidelfin, Ion Fiz, María Escoté, Carlos Díez, María Barros, Jesús del Pozo o Hannibal Laguna son algunos de los nombres más punteros de la primera edición de este año. Todos ellos reputados diseñadores en cuyos desfiles se lucirían una vez más las creaciones más llamativas y atrevidas. Cibeles Madrid Fashion Week lleva más de cincuenta años tomando el pulso de las últimas tendencias de moda. Las prendas de las colecciones otoño/invierno de estos creadores y otros nombres como Ágatha Ruiz de la Prada, Elio Berhanyer, Miriam Ocariz, José Miró o Lydia Delgado desfilarán por las dos pasarelas (Sala Cibeles y Sala Lancia) con las que cuenta el evento. Como novedad, en el llamado Cibelespacio las marcas patrocinadoras proporcionarán animación permanente a los visitantes durante los seis días de desfiles. En este espacio se realizarán pruebas de maquillaje y productos de belleza, 'showrooms', y ventas de prendas de jóvenes diseñadores. La pasarela El Ego de Cibeles, que tradicionalmente se celebra el primer día del evento, está consagrada a los jóvenes diseñadores más radicales. Continúa un año más su ascenso y sigue acaparando tanta atención como su hermana mayor. En ella desfilan las propuestas más innovadoras de diseñadores emergentes, como Maya Hansen, Esther Lebrato, Diana Dorado, American Pérez o Beba's Closet, quienes no se cortan ante nada a la hora de expresar su insólita y versátil visión de la moda. IFEMA. Feria de Madrid  Autobús: 112 , 122 , 828  Metro: Campo de las Naciones (L8)

TANGO METRÓPOLIS

📍 Teatro del Canal - Sala Roja

Tango Metrópolis fue creado en su primer versión en Colombia en 1998 por los coreógrafos y bailarines Pilar Álvarez y Claudio Hoffmann junto al bandoneonísta Daniel Binelli, en la dirección musical. A lo largo de estos 10 años han realizado impactantes actuaciones en los más prestigiosos teatros y festivales del mundo, incluyendo los continentes del Norte y Sur de América, Europa y Asia. Tango Metrópolis ofrece una experiencia teatral intensa y emotiva, con una música conmovedora interpretada por el Quinteto Daniel Binelli, considerado entre los mejores del mundo. La fuerza de la orquesta envuelve magnéticamente la representación a lo largo de todo el espectáculo, ofreciendo desde el tango más clásico y tradicional hasta el contemporáneo. El virtuosismo técnico y la cálida sensualidad de los bailarines seducen al público, dejándole conmovido y con una intensa sensación de júbilo.   Pilar Álvarez, Claudio Hoffmann y Daniel Binelli Pilar Álvarez y Claudio Hoffmann han participado como pareja solista en los más destacados escenarios del mundo, con los espectáculos Tangokinesis y Tango Pasión. Forman parte del elenco de las galas de estrellas de la danza en Gala des Étoiles du XXIeme Siècle en el Théâtre des Champs Elysées de Paris, Center of Art Toronto y Lincoln Center New York, así como en "The Night of the Stars" en la Ópera Nacional de Helsinki, junto a otras excepcionales figuras de la danza internacional. Desde 1998 dirigen junto a Daniel Binelli su propia compañía Tango Metrópolis, con la que se han presentado en los más prestigiosos teatros de Japón, Suiza, China (III Festival de Arte de Shanghai), Portugal, Estados Unidos, Venezuela, Uruguay, Colombia, Alemania, Italia, España y Francia. Han recibido el premio Viva 2000 a la Mejor Coreografía en Israel. En el año 2005 han corealizado la coreografía del documental: "Tango, el espíritu de Argentina" para la PBS (Public Broadcasting System) y, del 2005 al 2007, se han presentado como artistas invitados junto a las Orquestas: San Francisco Symphony, Buffalo Philarmonic Orchestra, Orquesta Filarmónica de Montevideo y Orquesta Sinfónica de Hong-Kong. Claudio es coreógrafo, bailarín, profesor de tango y de danzas folklóricas argentinas. Pilar, bailarina clásica y contemporánea comienza su carrera en el Teatro Colón de Buenos Aires. Estudia danza contemporánea y coreografía en el Teatro Municipal San Martín. Sus profesores fueron Margarita Terragno, Karemia Moreno y Jorge Gale. Claudio y Pilar iniciaron hace tiempo un camino que los llevó a la fusión entre el tango y la danza contemporánea, colaborando con grandes personajes del tango argentino, como Horacio Salgán, Roberto Goyeneche, Horacio Ferrer, Juan Carlos Copes y otros. Se exhibieron con la Orquesta de Néstor Marconi en el espectáculo Tanguissimo 91 en Japón y en el Melbourne Festival en 1992, con Daniel Binelli y Antonio Agri, en Granada, en 1995, bailaron en el Festival de Tango de París de 1997. Sobre el bandoneísta Daniel Binelli Daniel Binelli, reconocido internacionalmente como bandoneonísta, compositor y arreglista, recorre el mundo actuando como solista, con su Quinteto y la Compañía Tango Metrópolis. Durante más de 10 años formó parte de la Orquesta de Osvaldo Pugliese como bandoneonísta y arreglista. En 1989 integra el Sexteto Nuevo Tango, de Astor Piazzolla. Fue director musical, bandoneón solista y arreglista del espectáculo Tango x 2. Dirigió la operita María de Buenos Aires, de Astor Piazzolla, y Horacio Ferrer, junto a la cantante Milva, y ha compartido escenarios con artistas como Martha Argerich, Gary Burton y Paquito D´Rivera. En sus numerosas interpretaciones como solista con las mejores orquestas sinfónicas, ha sido dirigido por los maestros Charles Dutoit, Lalo Schiffrin, Franz Paul Decker y Simón Blech, actuando en la Opera de Sydney, al Carnegie Hall de Nueva York y en el Teatro Colón de Buenos Aires. Ha realizado más de 30 grabaciones de diferentes repertorios, que denotan su gran versatilidad musical.   Del 16 de febrero al 6 de marzo de 2011 LUGAR: Sala Roja HORARIO: De martes a viernes: 20 h. / Sábados: 18 y 21.30 h. / Domingos: 18 h. (Duración: 2 horas, con descanso de 15 minutos) PRECIOS: Butaca de platea: 35 € / Butaca de anfiteatro: 30 € DESCUENTOS: Venta anticipada hasta 31 enero: 1ª semana (16 a 20 febrero, 20%). Carnet joven y mayores: 25% (sólo aplicables en taquilla/100 butacas diarias). Grupos: 20% (desde 2ª semana excluídos viernes, sáb. dom.). Suscriptores: 25% (miércoles y jueves 1ª semana). VENTA LOCALIDADES: Por internet: www.entradas.com Por teléfono: 902 488 488 En taquilla: de 14:30 h a 21:00 h (todos los días)

ART MADRID

📍 El Palacio de Cristal de la Casa de Campo

El Palacio de Cristal de la Casa de Campo acogerá del 16 al 20 de febrero la sexta edición de Art Madrid, la Feria Internacional de Arte Moderno y Contemporáneo en la que participarán algunas de las más prestigiosas galerías del panorama nacional e internacional, que mostrarán obras de los principales artistas contemporáneos españoles, en un total de 91 espacios expositivos.   De los 91 espacios expositivos, 61 serán galerías -algunas de las cuales presentan varios stands en diferentes programas de la feria-, además se tendrán presencia dos Fundaciones; 9 instalaciones artísticas en el espacio Art Show; 10 revistas y editoras de arte y una exposición (Tardor Art  El Otoño del Arte). Art Madrid desarrolla por tercer año consecutivo el programa Young Art, dedicado al arte joven, que incluye a artistas emergentes, en el que participarán 13 galerías. Este programa está dirigido a galerías con menos de 5 años de antigüedad que presenten artistas menores de 40 años, o galerías de más de 5 años que presenten obra de un solo artista menor de 40 años. Además en esta edición, en la instalación que gestiona Madrid Espacios y Congresos en la Casa de Campo, se ha creado el programa Art Show en el que se presentarán nueve instalaciones artísticas, propuestas por las galerías participantes. Otra novedad será la exposición colectiva en torno al disco de vinilo, organizada por Tardor Art - El Otoño del Arte, incluye una selección de 35 piezas (pinturas, esculturas, fotografías, instalaciones, etc.), de artistas procedentes de Francia, Alemania, Dinamarca, Reino Unido, Estados Unidos, Canadá, Colombia, Uruguay y España. El horario será del miércoles 16 al sábado 19, de 11,30 a 21,30 horas, el domingo 20, la exposición cerrará a las 19,30 horas. El Palacio de Cristal de la Casa de Campo En Avda. de Portugal, s/n (entre los Pabellones de La Pipa y Cristal) Telf.: 91 722 04 00 M-30 salida A-V Badajoz (sentido Norte salida 17 Casa de Campo / sentido Sur salida Avda. de Portugal) M-40salida A-V Madrid. Paseo de Extremadura Metro Línea 6. Estación Alto de Extremadura Línea 10. Estación Lago Autobuses Línea 31.Salida Plaza Mayor Línea 33.Salida Príncipe Pio Línea 36.Salida Atocha Línea 39.Salida Ópera Línea 65.Salida Plaza Jacinto Benavente

ARCOmadrid 2011

📍 IFEMA. Feria de Madrid

Semana de Arte Contemporáneo Rusia será el país invitado en la 30ª edición de ARCO Treinta años después de su primera edición, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCOmadrid, sigue siendo una cita imprescindible para coleccionistas y aficionados.   Según ha declarado su nuevo director, Carlos Urroz, este año ARCO apuesta por más calidad y menos cantidad. En dos pabellones de Ifema, se instalarán, entre el 16 y el 20 de febrero, 197 galerías. Destacan, coincidiendo con la celebración del Año de Rusia en España, 8 galerías procedentes de Moscú, San Petesburgo y Vladivostok, que ha elegido Daria Pyrkina, comisaria del Centro Nacional de Arte Contemporáneo y profesora de la Universidad Lomonosov de Moscú. El programa Focus Rusia incluye también la presencia de instituciones del país como MMOMA Moscow Museum of Modern Art, el State Hermitage Museum o el Stella Art Foundation, entre otras. La Casa Encendida y el Matadero tratarán de mostrarnos, fuera de la feria, la proyección del arte ruso contemporáneo. Cabe destacar que en este momento Rusia cuenta con importantes coleccionistas y con una nueva generación de creadores, muy interesados por las propuestas conceptuales. El espacio Solo Projects: Focus Latinoamérica reúne 14 galerías seleccionadas por las comisarias Luisa Duarte, Daniela Pérez, y Julieta González. Su objetivo es dar a conocer el arte iberoamericano, ya que muchas veces no puede acceder al circuito internacional. Galerías emergentes y asesoramiento a coleccionistas Por primera vez en ARCO, un equipo asesor e independiente podrá orientar a los coleccionistas que lo deseen. Y, también para incentivar las compras, Ifema se pondrá en contacto con potenciales compradores. La dirección de la feria, tampoco se olvida de la dimensión cultural del evento y vuelve a invitar a distintas instituciones, editoriales y revistas especializadas. Debido a este afán por dar a conocer lo último, el programa Opening: jóvenes galerías europeas, comisariado por Maribel López, reúne a veinte galerías con sede en algún país de Europa y menos de ocho años de antigüedad. De esta manera se quiere mostrar el arte más joven del viejo continente. Para celebrar 30º aniversario de ARCOmadrid, la feria presenta en Ifema una exposición de fotografías que ilustran tres décadas de historia. A lo largo de este tiempo ARCOmadrid se ha convertido en una de las principales plataformas a través de las cuales los artistas latinoamericanos difunden su trabajo en Europa. Es también muy significativa la Colección de la Fundación ARCO, que desde 1987 trata de crear un patrimonio artístico que puedan disfrutar las generaciones futuras. ARCOmadrid 2011  IFEMA. Feria de Madrid  Venta de entradas: Mostradores.  Horarios: Profesionales: 16 y 17 de febrero, de 12:00 a 20:00 h. Público general, del 18 al 20 de febrero, de 12:00 a 20:00 h.  Precio: Entrada general viernes 18, sábado 19 y domingo 20, 32 €; estudiantes, 21 €.  Autobús: 112 , 122 , 828  Metro: Campo de las Naciones (L8)

Ruddigore. O la estirpe maldita

📍 Teatro Fernán Gómez - Sala II

Egos Teatre presenta RUDDIGORE O LA ESTIRPE MALDITA. Un  musical sobrenatural, lleno de amor, muerte, traición y  matarratas.   La estirpe de los Barones de Ruddigore ha sido maldecida. Todos los que heredan el título están obligados a cometer un crimen diario si no quieren morir en terrible agonía. Un granjero que esconde un secreto horrible, un marinero con buen corazón, una doncella en edad de merecer, la presidenta de la Asociación de Familiares para las Futuras Víctimas y una novia loca intentarán esquivar la muerte un  día más. ¿Quién será la próxima víctima del malvado barón de Ruddigore? Ruddigore o la estirpe maldita es un espectáculo musical basado en Ruddigore or the witch´s curse, una opereta de William Schwenck Gilbert (1836-1911) y Arthur Sullivan (1842-1900). Ambos son los creadores de numerosas operetas que con el tiempo se han convertido en obras de repertorio del teatro musical anglosajón. La música tuvo muy buena aceptación, pero la  temática, demasiado escabrosa para la moral de la época, fue considerada de mal gusto, de manera que el espectáculo no gozó del éxito que se esperaba. Desde una perspectiva actual, la propuesta de Gilbert & Sullivan resulta muy sugerente y  nos abre un gran abanico de posibilidades dramáticas. Teatro Fernán Gómez. Centro de Arte - Sala II Plaza de Colón 4 Del 16 de febrero al 19 de marzo Horarios: Martes a sábados 20:30 horas Domingos 19:30 horas Martes, 22 de febrero, no hay función Tarifas: Precio de las entradas: 16 € Martes: 13 € (día del espectador). Jueves: 13 € (Carné joven, mayores de 65, familia numerosa) Grupos: 12 € (a partir de 10 pax). Duración: 90 minutos aprox. Sin intermedio.

Jean–Léon Gérôme

📍 Museo Thyssen-Bornemisza

El Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid presenta desde mediados de febrero la exposición Jean-Léon Gérôme (1824-1904), fruto de un ambicioso proyecto conjunto con el Musée d’Orsay, la Réunion des musées nationaux y el J. Paul Getty Museum, y que supone la primera gran muestra monográfica dedicada al pintor y escultor francés desde la celebrada hace treinta años en Estados Unidos, así como su presentación en España por primera vez. La cuidada selección de óleos y esculturas que podrá verse en Madrid es una versión reducida de la gran retrospectiva mostrada en los Ángeles y en París sucesivamente a lo largo de 2010. En las salas del Museo Thyssen-Bornemisza se reunirán cerca de 60 obras, entre las que se encuentran algunos de sus trabajos más emblemáticos y sobresalientes, abarcando todos los aspectos de su larga y  prolífica trayectoria artística.   Fundamentado en las investigaciones historiográficas y catalogaciones de su obra realizadas en los últimos años, este proyecto pretende dar a conocer y analizar el arte de Gérôme desde un nuevo enfoque, no sólo como la obra de uno de los pintores más emblemáticos del academicismo francés, sino como la de uno de los grandes creadores de imágenes del siglo XIX, revisando el lugar que  ocupa en la pintura francesa de la época. Bajo este nuevo prisma la exposición explorará el concepto teatralizado de su pintura de historia, su compleja relación con Oriente, el uso de la policromía en sus esculturas, la vinculación con las referencias arqueológicas, su combativa postura contra el  anti-academicismo de finales del XIX o el singular destino americano de buena parte de su producción. En el catálogo se analizará también su particular gramática visual que le lleva a veces a la obsesión ilusionista, y su relación con las artes visuales, la estampa, la fotografía e incluso el cine, entonces incipiente. Gérôme fue uno de los pintores más célebres de su época, aunque fue también objeto de críticas y polémicas a lo largo de toda su carrera. Su popularidad fue en buena medida fruto de su preocupación por la difusión de sus obras, que traspasó las fronteras de Francia y llegó incluso a los Estados Unidos donde, desde la década de 1870, fue uno de los artistas más admirados y coleccionados. Gérôme se familiarizó muy pronto con la nueva creación fotográfica y, como la mayoría de artistas del  momento, recurrió a fotografías para componer algunos de sus cuadros y, sobre todo, aprendió a aprovechar este nuevo medio para “vender” su obra. A petición de su marchante y editor, Adolphe Goupil -que más adelante se convertiría en su suegro-,  desde 1859 Gérome empezó a utilizar reproducciones fotográficas y estampas para divulgar sus trabajos y supo adaptar su obra a la política editorial llevada a cabo por Goupil, combinando hábilmente los temas anecdóticos que garantizaban su éxito popular con una composición pensada para su adaptación al formato más reducido del grabado o del revelado fotográfico. Aún con los reproches por parte de la crítica artística del momento, Gérôme logra crear así imágenes impactantes que marcan la memoria del espectador. De perfecta factura, con una absoluta precisión del dibujo y maestría en el uso de los pigmentos, a pesar de la apariencia academicista en sus temas y composiciones, su obra mantiene con la modernidad una relación más compleja de lo que parece y es en este aspecto donde los análisis historiográficos más recientes se han centrado para la revaloración de su figura y de su arte. Convivían en él simultáneamente la ambición romántica de reproducir los temas de la Antigüedad clásica, de Oriente o de la historia de Francia, con el impulso racionalista de dar una información veraz,  imponiendo incluso ese fin a la exigencia de que la escena fuera inteligible o infringiendo las reglas académicas. En este sentido, destaca el modo en que utiliza la imagen fotográfica para la elaboración de figuras, escenas o paisajes, su afán por ofrecer algo genuino y preciso, basándose rigurosamente en las investigaciones científicas y arqueológicas de su época, su novedosa concepción de la escenografía, adelantándose en el tiempo e inspirando directamente escenas de las grandes producciones cinematográficas de temática histórica, sobre todo las basadas en la Roma clásica de realizadores como Cecil B. DeMille o Mervyn LeRoy, entre otros muchos. Sin duda, la gran difusión de la obra de Gérôme en Estados Unidos tuvo una gran incidencia en esta fuente de inspiración para el gran cine de Hollywood. Esta doble identidad de su obra, a la vez científica y popular, es lo que la hace tan valiosa hoy en día para los historiadores del arte y el público en general. Jean-Léon Gérôme (1824-1904) ingresa a los dieciséis años de edad en el taller de Paul Delaroche, un estudio muy popular y frecuentado por muchos jóvenes artistas, entre ellos el fotógrafo Gustave Le Gray al que le unirá desde entonces una gran amistad. El joven Gérôme se sitúa también muy pronto bajo la influencia directa de Jean-Dominique Ingres quien, junto a Delaroche, fueron los grandes defensores de la tradición academicista en la que se enmarca el arte de Gérôme en esta primera etapa de su carera, en la que cultiva tanto el género de la pintura histórica como el retrato. Con el cuadro Pelea de gallos que presenta en el Salón de 1847, logra un gran éxito, se revela como un nuevo  talento para el público, empieza a recibir sus primeros encargos oficiales y es proclamado jefe de filas de una nueva escuela, los neogriegos. El interés por la Antigüedad, renovado por un deseo de plasmar la veracidad arqueológica, se convierte en pretexto para representaciones costumbristas, agradables y sentimentales, que ponen en escena una Antigüedad humanizada e intimista, casi trivial,  y con un estilo a veces arcaizante. Gérôme abandona pronto el estilo neo-griego pero su interés por representar algo verídico se extenderá a lo largo de toda su producción. El realismo de la anécdota y el afán por el detalle serán dos  de las características principales de su arte, tanto en sus pinturas de temática oriental como en los grandes temas de historia; en los dos casos se evidencia también la misma preocupación por la teatralización. Ya sean escenas de carácter costumbrista, paisajes o personajes, en este grupo de obras el artista muestra una profunda fidelidad en la reconstrucción de los lugares y ambientes, así como un interés en la representación de lo pintoresco en arquitecturas o en indumentarias exóticas. El  asunto representado ya no es el Oriente imaginado de la generación anterior; perfectamente documentada, su obra orientalista se nutre de los bocetos realizados durante sus numerosos viajes por Oriente Próximo, sobre todo a Egipto y Asia Menor, así como de las fotografías tomadas in situ por sus compañeros de viaje. El núcleo central de la exposición lo constituye una magnífica representación de su pintura de historia, incluyendo los grandes temas que centraron su atención: la Roma antigua, las escenas napoleónicas  y las del reinado de Luis XIV. En todos ellos la originalidad de Gérôme reside en el rechazo al “gran  tema” y al papel edificador tradicionalmente asociado a este tipo de obras.  Prefiere representar en sus  uadros de historia no el momento culminante de un hecho histórico sino la anécdota, y lo hace  escogiendo para inmortalizar  en sus lienzos la escena inmediatamente anterior o posterior; de esta forma les confiere también un carácter marcadamente narrativo, enfatizado por el sentido teatral de la  composición y una concepción de la escena prácticamente cinematográfica. Sus eruditas  representaciones de la civilización romana y el culto por el detalle arqueológicamente exacto han servido de referencia para realizaciones cinematográficas del género: óleos como La muerte de César  (1867) o Pollice Verso (1872) muestran escenas con un paralelismo evidente en cintas emblemáticas como Quo Vadis de Mervyn LeRoy (1951) o Ben-Hur de William Wyler (1959).   FICHA DE LA EXPOSICIÓN Título: Jean-Léon Gérôme (1824-1904) Fechas: Del 15 de febrero al 22 de mayo de 2011 Organiza: Musée d’Orsay (París), Réunion des musées nationaux (Francia), J. Paul Getty Museum (Los Ángeles) y Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid) Comisarios: Laurence des Cars, directora científica de la Agencia France-Muséums, Dominique de Font-Réaulx, conservadora jefe en el museo del Louvre, y Édouard Papet, conservador jefe en el museo D’Orsay. Coordinación: Leticia de Cos, Área de Investigación y Extensión Educativa del Museo Thyssen- Bornemisza Número de obras: 57   Foto: El bardo negro también llamado El bardo africano, 1888 (Le barde noir (Le barde africain)) Oleo sobre lienzo 61,2 x 50,8 cm.  

Nerón y Séneca de Eduardo Barrón

📍 Museo Nacional del Prado - sala 74

Nerón y Séneca de Eduardo Barrón ‘dialogan’ en el Prado entre las esculturas que su propio autor catalogó y restauró. El grupo escultórico de Eduardo Barrón, escultor, pintor y conservador y restaurador del Museo del Prado entre 1892 y 1911, año de su fallecimiento, se exhibirá temporalmente en un espacio privilegiado del Museo con el fin de mostrar al público los resultados de su delicada restauración, patrocinada por la Fundación Iberdrola, ‘miembro protector’ del programa de restauración del Prado.   Hasta el próximo otoño, el público del Prado podrá contemplar el grupo escultórico Nerón y Séneca (Eduardo Barrón, 1904) en la sala 74 admirando el resultado del proceso de estudio y restauración llevado a cabo sobre el mismo por el área de restauración en coordinación con el de escultura del Museo. Este grupo escultórico, realizado en escayola y parcialmente policromado, obtuvo la medalla de oro la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1904. Obra de Eduardo Barrón, autor del primer catálogo razonado de la colección de escultura del Museo del Prado y conservador y restaurador del mismo hasta su prematuro e inesperado fallecimiento en 1911, hace ahora cien años, la pieza se mostrará temporalmente en la emblemática sala circular del Museo, conocida como ‘Rotonda de Ariadna”, tras haberse sometido a una restauración especialmente compleja por la pérdida de diversos fragmentos y el deterioro general sufridos por la obra debido a la especial fragilidad de su material base (escayola) y a sus inadecuadas condiciones de exhibición y conservación en el pasado. Nerón y Séneca, de Eduardo Barrón (Moraleja del Vino, Zamora, 1858-Madrid, 1911), Se expone ahora entre las esculturas clásicas del Prado que el artista estudió y catalogó, pues, además de destacado escultor, Barrón fue Conservador de la Sección de Escultura del Museo Nacional de Pintura y Escultura (actual Museo del Prado) desde 1892, labor que se amplió en 1895 a la de Conservador-Restaurador. Esta responsabilidad, en paralelo con su faceta escultórica, le permitió redactar el primer catálogo de la colección de escultura del Prado en 1908 e ir acometiendo restauraciones de obras del Museo, sobre todo en mármol y en marfil. El grupo representa a Séneca instruyendo a Nerón, del que era tutor. Barrón retrata a los personajes dramatizando lo opuesto de sus caracteres, e insinuando el injusto final del filósofo cordobés, acusado de traición y obligado por el emperador a suicidarse. Este acontecimiento puede verse recogido en otras obras del Museo como La muerte de Séneca del taller de Rubens y el cuadro tan ilustrativamente titulado Séneca, después de abrirse las venas se mete en un baño y sus amigos, poseídos de dolor, juran odio a Nerón que decretó la muerte de su maestro, de Manuel Domínguez Sánchez. Junto a la obra restaurada, se expone también, por primera vez, una reducción inédita de este grupo, hecha por el propio escultor y que regaló en 1907 a Don Antonio Maura en agradecimiento a las gestiones que éste hizo en el Ministerio para la edición del catalogo de escultura del Museo del Prado. En este grupo, depósito temporal de la Fundación Antonio Maura (nº inv. 242) conservado sin ninguna intervención y sin apenas deterioros, se puede observar la policromía original y la complejidad, el extraordinario detallismo y el dominio técnico con el que realizó esta pieza. Las esculturas premiadas en las Exposiciones Nacionales ingresaban en el Museo y se pasaban a material definitivo con financiación del Estado, pero en este caso no llegó a poder hacerse, lo que hace todavía más valiosa la conservación de este grupo original en escayola policromada, de un tamaño excepcional, que permite constatar su talento, la exquisita factura y el grado de calidad técnica alcanzado por el escultor, y el lenguaje clásico de gran minuciosidad en el que se expresó, consecuencia de su aprendizaje romano. La obra estuvo depositada durante muchos años en el vestíbulo del Ayuntamiento de Córdoba. Restauración La obra está realizada en escayola parcialmente policromada y, tras una larga etapa expuesta inadecuadamente, necesitaba un tratamiento urgente de restauración debido a la fragilidad de este material y a las inestables condiciones de conservación y exposición en el lugar en el que estaba depositada. Además, a consecuencia de intervenciones anteriores, presentaba reconstrucciones de diversa calidad de partes perdidas, y “arreglos” realizados con diferentes estucos y recubrimientos de protección que se habían aplicado de forma parcial, lo que hacía que la obra tuviera características muy distintas según la zona. Antes de proceder a su restauración, proceso realizado a lo largo de dos años, el Museo procedió a su estudio técnico para identificar los materiales empleados por el artista, los añadidos en posteriores restauraciones, su técnica de ejecución y su estado de conservación. La limpieza principal se llevó a cabo empleando geles de agar-agar, producto de gran poder limpiador mediante aporte controlado de humedad y absorción de la suciedad, El tratamiento se completó con limpiezas mecánicas y, en alguna ocasión, limpieza química muy puntual para eliminar manchas y acumulaciones de recubrimientos añadidos. Se ha conseguido devolver un aspecto homogéneo a toda la superficie de la escultura, respetando el envejecimiento natural propio del material de una obra de más de cien años de antigüedad. Además, se han reconstruido los dedos de la mano derecha de Séneca, parte importante en la expresión del personaje, puesto que se disponía del boceto original a escala reducida (escayola conservada en el Museo de Zamora). Se tomaron datos digitalmente y se ampliaron al tamaño de la obra definitiva, información completada con documentación fotográfica antigua donde aparecía la mano original. Réplica en bronce Puesto que la ciudad de Córdoba, en cuyo Ayuntamiento estuvo la obra depositada, quería disponer de un ejemplar del grupo escultórico, se hizo una réplica del mismo. Dado que un proceso de réplica tradicional mediante moldes directos quedaba completamente descartado debido al alto riesgo de pérdida de los colores y calidades de la superficie de la escayola policromada, ésta se hizo mediante un sistema de escaneado digital con el que se crea un modelo exacto en resina mediante impresión tridimensional al mismo tamaño que la obra original sobre el que se realiza el molde, a partir del cual se ha fundido el ejemplar colocado en la glorieta del Pretorio de la ciudad de Córdoba. Eduardo Barrón (Moraleja del Vino, Zamora, 1858-Madrid, 1911), datos biográficos Barrón, de familia humilde, mostró desde muy joven sus dotes artísticas, y obtuvo de la Diputación de Zamora una beca en Roma en 1881, donde colaboró con otro escultor español bien representado en el Museo del Prado, Felipe Moratilla. Allí realizó en 1883 la escultura “Viriato”, obra prestada a la Exposición Nacional de 1884, propiedad del Museo del Prado por haber obtenido en el certamen la segunda medalla, que se depositó en el Ayuntamiento de Zamora, y hoy es uno de los monumentos públicos más emblemáticos de la ciudad. En 1884 obtuvo, por oposición, la pensión de número en la Real Academia de España en Roma junto con Agustín Querol hasta 1889. Fueron sus envíos “Adán después del pecado" (yeso en el Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando), "Relieve de Santa Eulalia" (Iglesia de San Francisco el Grande) y el "Grupo de Roncesvalles” (desaparecido). Dejó obra en Italia, como un “San José en trono con el Niño” en la basílica de Loreto. Vinculado desde 1892 al Prado, además de su labor a cargo de la colección de escultura hasta su fallecimiento, fue desde 1898 Habilitado del material del Museo, y durante un año (1894-1895), Conservador-Restaurador interino del nuevo Museo de Arte Contemporáneo que pasó a llamarse en 1895 Museo de Arte Moderno, creado para exhibir los fondos del siglo XIX. Realizó varios monumentos públicos destacados en España como el monumento a Hernán Cortés en Medellín, Badajoz en 1889, a Colón en Salamanca en 1893, o a Castelar en Cádiz en 1905. Su vinculación a la escultura quedó aún más patente en su discurso de ingreso en 1910 en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando que versó sobre “Conservación de las esculturas antiguas”. Saliendo de la Real Academia camino del Museo del Prado falleció súbitamente en 1911 con solo 53 años. Sus familiares han luchado porque su memoria no cayera en el olvido, y su hijo publicó en 1977 el libro “Barrón, un escultor olvidado”. Informe detallado de la restauración Una vez trasladada al Museo del Prado, la obra fue rigurosamente restaurada durante un largo proceso de dos años. En primer lugar, se realizó el estudio técnico para identificar los materiales empleados por el artista, los añadidos en posteriores restauraciones, su técnica de ejecución y su estado de conservación. La estructura interna se estudió con rayos X para conocer la ubicación de pernos, clavos, tornillos y alambres, y se realizaron exhaustivas pruebas de solubilidad por zonas para determinar los productos y técnicas de limpieza más adecuadas en cada caso. La escultura tenía varias reintegraciones y recubrimientos que habían penetrado en la materia de forma irreversible, y ciertas reconstrucciones volumétricas de menor calidad, de manera que el estado de conservación era deficiente, tanto por la fragilidad de la escayola, como por las inadecuadas condiciones de conservación y exposición a las que había sido sometida. El soporte estaba muy deshidratado y presentaba grietas y fracturas sobre todo en la base. Junto con estas múltiples pérdidas de pequeño tamaño en el suelo, dedos, bordes de pliegues y zonas más sobresalientes, la obra había sido objeto de vandalismo, presentando numerosas incisiones y graffiti. Realizada en escayola parcialmente policromada, sobre todo el manto de Nerón, además del portarrollos y parte de las vestiduras de Séneca, tenía originalmente los adornos en el cuello y en el borde del manto de Nerón dorados, pero debido a la oxidación del cobre hoy tienen un aspecto verdoso oscuro. La limpieza principal se llevó a cabo empleando geles de agar-agar, producto de gran poder limpiador mediante aporte controlado de humedad y absorción de la suciedad, El tratamiento se completó con limpiezas mecánicas y, en alguna ocasión, limpieza química muy puntual para eliminar manchas y acumulaciones de recubrimientos añadidos. Se ha conseguido devolver un aspecto homogéneo a toda la superficie de la escultura, respetando el envejecimiento natural propio del material de una obra de más de cien años de antigüedad. Aunque se han eliminado todas las reconstrucciones deficientemente ejecutadas, muchas de ellas con problemas de fijación y reforzadas con clavos que habían generado manchas por oxidación, se han reconstruido los dedos de la mano derecha de Séneca, parte importante en la expresión del personaje, puesto que se disponía del boceto original a escala reducida (escayola conservada en el Museo de Zamora). Se tomaron datos digitalmente y se ampliaron al tamaño de la obra definitiva, información completada con documentación fotográfica antigua donde aparecía la mano original. Imagen:             Nerón y Séneca            Eduardo Barrón            Vaciado a molde, escayola, 135 x 260 x 148 cm            1904            Museo Nacional del Prado